Импрессионизм — течение главным образом во французской живописи, характеризующееся стремлением передать средствами искусства мимолетные впечатления, богатство красок, психологические нюансы, подвижность и изменчивость атмосферы окружающего мира.
Жирные мазки, яркие цвета, бытовые сцены жизни, откровенные позы и, самое главное, точное описание света… Лишь малая толика характеристик одного из самых популярных художественных направлений. во Франции в середине XIX века. До его возникновения натюрморты, портреты и даже пейзажи авторы обычно создавали в своих студиях.
Впервые в истории искусства художники сделали для себя правилом писать не с мастерской, а под открытым небом: на берегу реки, в поле, в лесу. Стараясь максимально точно выразить свои непосредственные впечатления от вещей, импрессионисты создали новый метод живописи.
ПАРКЕТЧИКИ, ГЮСТАВ КАЙБОТТ
Одна из первых картин, изображающая городской рабочий класс. Кайботт иллюстрирует неизменный интерес к повседневной жизни. Обратите внимание, как точно художник уловил свет, пробивающийся через окно, и тени. Картина реалистична, как фотография, но, тем не менее, была отвергнута самыми престижными художественными выставками и салонами: изображение полуобнаженных мужчин из рабочего класса было сочтено «вульгарным предметом».
“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”
Анри Канвейлер
19 век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.
А от привычных образов и вовсе отказывались. Изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.
Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.
Но сопротивление было сломлено. И часть импрессионистов дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Некоторые дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.
Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов. Которых знает весь мир.
1. Эдуард Мане (1832 – 1883 гг.)
Эдуард Мане. Автопортрет с палитрой. 1878 г. Частная коллекцияМане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем на перемены.
Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.
Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь. Или натюрморты на худой конец. Чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.
В результате появился “Завтрак на траве”. Двое денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.
Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863 г. , Париж Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.
“Завтрак на траве” была обвинена в вульгарности. Беременным на полном серьезе не рекомендовали на неё смотреть.
Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847 г. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи 16-19 вв.). Колонны и статуи. Люди аполонской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.
“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Реальная жизнь реальных людей.
Однажды писал одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.
Эдуард Мане. Ангелина. 1860 г. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia.commons.org Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный цвет. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он изображал ее ярко-синей.
Это, конечно, раздражало публику. Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане, язвили они.
Эдуард Мане. Аржантей. 1874 г. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikipedia.org Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника. Который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.
Все новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Когда оно уже ему было не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.
2. Клод Моне (1840 – 1926 гг.)
Клод Моне. Автопортрет в берете. 1886 г. Частная коллекция Клода Моне можно назвать христоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.
Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.
Клод Моне. Лягушатник. 1869 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных – .
В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.
Обратите внимание, дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.
Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873 г. (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” – главная черта импрессионизма.
К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика – это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.
Лишь Моне продолжал упорствовать. Гипертрофируя импрессионизм. Что переросло в серии картин.
Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разное время года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.
Так, появились бесчисленные стога сена.
Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891 г. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891 г.
Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов. Это ещё одна их фишка.
Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Он обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.
О самой знаковой картине мастера читайте в статье
3. Огюст Ренуар (1841 – 1919 гг.)
Пьер-Огюст Ренуар. Автопортрет. 1875 г. Институт искусства Стерлинга и Франсин Кларк, Массачусетс, США. Pinterest.ru Импрессионизм – это самая позитивная живопись. А самым позитивным среди импрессионистов был Ренуар.
В его картинах вы не найдёте драмы. Даже чёрной краской он не пользовался. Только радость бытия. Даже самое банальное у Ренуара выглядит прекрасным.
В отличие от Моне, Ренуар чаще писал людей. Пейзажи для него были менее значимы. На его картинах отдыхают и наслаждаются жизнью его друзья и знакомые.
Пьер-Огюст Ренуар. Завтрак гребцов. 1880-1881 гг. Собрание Филлипса, Вашингтон, США. Wikimedia.commons.org Не найдёте вы у Ренуара и глубокомыслия. Он был очень рад примкнуть к импрессионистам. Которые поголовно отказывались от сюжетов.
Как он сам говорил, наконец у него есть возможность написать цветы и назвать их просто “Цветы”. И не выдумывать никаких историй про них.
Пьер-Огюст Ренуар. Женщина с зонтиком в саду. 1875 г. Музей Тиссена-Бормениса, Мадрид. arteuam.com Лучше всего Ренуар чувствовал себя в обществе женщин. Он просил своих служанок петь и шутить. Чем глупее и наивнее была песенка, тем лучше для него. А мужская болтовня его утомляла. Неудивительно, что Ренуар известен своими ню.
Модель на картине “Обнаженная в солнечном свете” словно проявляется на красочном абстрактном фоне. Потому что для Ренуара нет ничего второстепенного. Глаз модели или участок заднего фона равнозначны.
Пьер-Огюст Ренуар. Обнаженная в солнечном свете. 1876 г. Музей д’Орсе, Париж. wikimedia.commons.org Ренуар прожил долгую жизнь. И никогда не откладывал кисть и палитру. Даже когда его руки совсем сковал ревматизм, он привязывал кисточку к руке веревкой. И рисовал.
Как и Моне, он дождался признания после 40 лет. И увидел свои картины в Лувре, рядом с работами знаменитых мастеров.
Об одном из самых обворожительных портретов Ренуара читайте в статье
4. Эдгар Дега (1834 – 1917 гг.)
Эдгар Дега. Автопортрет. 1863 г. Музей Галуста Гюльбенкяна, Лиссабон, Португалия. Cultured.com Дега не был классическим импрессионистом. Он не любил работать на пленэре (открытом воздухе). У него вы не найдёте намеренно высветленной палитры.
Наоборот, он любил чёткую линию. Черного цвета у него предостаточно. И работал он исключительно в студии.
Но все же его всегда ставят в ряд с другими великими импрессионистами. Потому что он был импрессионистом жеста.
Неожиданные ракурсы. Ассиметрия в расположении объектов. Застигнутые врасплох персонажи. Все это главные атрибуты его картин.
Он останавливал мгновение жизни, не дав ему опомниться. Посмотрите хотя бы на его “Оркестр оперы”.
Эдгар Дега. Оркестр оперы. 1870 г. Музей д’Орсе, Париж. commons.wikimedia.org На переднем плане спинка стула. Музыкант к нам спиной. А на заднем фоне балерины на сцене не уместились в “кадр”. Их головы беспощадно “обрезаны” краем картины.
Поэтому так любимые им танцовщицы далеко не всегда изображены в красивых позах. Порой они просто делают растяжку.
Но такая импровизация мнимая. Конечно, Дега тщательно продумывал композицию. Это лишь эффект стоп-кадра, а не настоящий стоп-кадр.
Эдгар Дега. Две балетные танцовщицы. 1879 г. Музей Шелбурн, Вермут, США Эдгар Дега любил писать женщин. Но болезнь или особенности организма не позволяли ему иметь с ними физический контакт. Он никогда не был женат. Никто никогда не видел его с женщиной.
Отсутствие реальных сюжетов в его личной жизни добавляло тонкую и напряженную эротичность его образам.
Эдгар Дега. Звезда балета. 1876-1878 гг. Музей д’Орсе, Париж. wikimedia.comons.org Обратите внимание, что на картине “Звезда балета” прорисована только сама балерина. Ее коллеги за кулисами еле различимы. Разве что несколько ног.
Это не значит, что Дега не закончил картину. Таков приём. Оставить в фокусе лишь самое главное. Остальное сделать исчезающим, неразборчивым.
О других картинах мастера читайте в статье
5. Берта Моризо (1841 – 1895 гг.)
Эдуард Мане. Портрет Берты Моризо. 1873 г. Мармоттан-Моне музей, Париж. Берту Моризо редко когда ставят в первый ряд с великими импрессионистами. Уверена, не заслуженно. Как раз у неё вы встретите все главные черты и приёмы импрессионизма. И если вам импрессионизм нравится, вы полюбите ее работы всей душой.
Моризо работала быстро и порывисто. Перекладывая на холст своё впечатление. Фигуры словно вот-вот растворятся в пространстве.
Берта Моризо. Лето. 1880 г. Музей Фабре, Монпелье, Франция. Как и Дега, она часто не дорисовала некоторых деталей. И даже части тела модели. Мы не можем различить рук у девушки на картине “Лето”.
Путь к самовыражению у Моризо был трудным. Мало того, что она занималась “небрежной” живописью. Она ещё была женщиной. В те времена женщине полагалось мечтать выйти замуж. После чего любые хобби забывались.
Поэтому Берта долго отказывалась от замужества. Пока не нашла мужчину, который уважительно отнёсся к ее занятию. Эжен Мане был родным братом художника Эдуарда Мане. Он покорно тоскал за женой мольберт и краски.
Берта Моризо. Эжен Мане с дочерью в Буживале. 1881 г. Мармоттан-Моне музей, Париж. Но все же дело было в 19 веке. Нет, брюки Моризо носить не стала. Но полной свободы передвижения она себе позволить не могла.
Она не могла пойти в парк поработать в одиночестве. Без сопровождения кого-то из близких. Не могла посидеть одна в кафе. Поэтому ее картины – это люди из семейного круга. Муж, дочь, родственники.
Берта Моризо. Женщина с ребёнком в саду в Буживале. 1881 г. Национальный музей Уэльса, Кардифф. Моризо признания не дождалась. Умерла она в 54 года от воспаления лёгких. Не продав при жизни почти ни одной своей работы. В свидетельстве о ее смерти в графе “род занятий” стоял прочерк. Немыслимо было женщине зваться художником. Даже если она им на самом деле была.
О картинах мастера читайте в статье
6. Камиль Писсарро (1830 – 1903 гг.)
Камиль Писсарро. Автопортрет. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж. Wikipedia.org Камиль Писсарро. Неконфликтный, рассудительный. Многие его воспринимали, как учителя. Даже самые темпераментные коллеги о Писсарро плохо не говорили.
Он был верным последователем импрессионизма. Сильно нуждаясь, имея пятерых детей и жену, он все равно упорно работал в том же стиле. И ни разу не переключился на салонную живопись. Чтобы стать более популярным. Не известно, откуда он брал силы до конца верить в себя.
Чтобы совсем не умереть с голоду, Писсарро расписывал веера. Которые охотно раскупали. А настоящее признание к нему пришло уже после 60 лет! Когда наконец он смог забыть о нужде.
Камиль Писсарро. Дилижанс в Лувесьенне. 1869 г. Музей д’Орсе, Париж Воздух на картинах Писсарро густой и плотный. Необыкновенный сплав цвета и объёма.
Художник не боялся писать самые переменчивые явления природы. Которые покажутся на мгновение и исчезнут. Первый снег, морозное солнце, длинные тени.
Камиль Писсарро. Иней. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж Самые известные его работы – виды Парижа. С широкими бульварами, суетной и пестрой толпой. Ночью, днём, в разную погоду. В чем-то перекликаясь с сериями картин Клода Моне.
Импрессионизм впервые зародился во Франции ближе к концу XIX столетия. До возникновения этого направления натюрморты, портреты и даже пейзажи преимущественно писались художниками в студиях. Картины импрессионистов же часто создавались на открытом воздухе, а их сюжетами становились реальные мимолетные сцены из современной жизни. И хотя импрессионизм изначально подвергался критике, вскоре он собрал множество последователей и положил начало аналогичным движениям в музыке и литературе.
Знаменитые французские художники-импрессионисты
Неудивительно, что одним из самых известных направлений изобразительного искусства стал именно импрессионизм в живописи: художники , работавшие в этом стиле, оставили после себя удивительные по своей красоте полотна, легкие, как глоток свежего воздуха, полные света и красок. Многие из этих прекрасных произведений написаны следующими мастерами импрессионизма, которых знает каждый уважающий себя ценитель мировой живописи.
Эдуард Мане
Несмотря на то, что целиком творчество Эдуарда Мане нельзя поместить лишь в рамки импрессионизма, живописец во многом повлиял на возникновение данного течения, а другие французские художники, работающие в этом стиле, считали его основоположником импрессионизма и своим идейным вдохновителем. Хорошими друзьями мастера были и другие известные французские импрессионисты: Эдгар Дега, Пьер Огюст Ренуар, а также художник-импрессионист со схожей фамилией, которая ставит в тупик новичков в мире живописи, - Клод Моне.
После знакомства с этими художниками и произошли импрессионистические перемены в творчестве Мане: он стал предпочитать работу на открытом воздухе, в картинах стали преобладать светлые, яркие тона, обилие света и дробная композиция. Хотя от темных цветов он по-прежнему не отказывается, да и пейзажам предпочитает живопись в бытовом жанре - это можно проследить в работах живописца «Бар в «Фоли-Бержер», «Музыка в Тюильри», «Завтрак на траве», «У папаши Латюиля», «Аржантей» и других.
Клод Моне
Имя этого французского художника, пожалуй, хотя бы раз в жизни слышал каждый. Клод Моне был одним из основоположников импрессионизма, и именно его картина «Впечатление: Восходящее солнце» дала название этому движению.
В 60-х годах XIX века художник-импрессионист одним из первых увлекся написанием картин на свежем воздухе, а многим позже создал новый экспериментаторский подход к работе. Он заключался в наблюдении и изображении одного и того же предмета в разное время суток: так была создана целая серия полотен с видом на фасад Руанского собора, напротив которого художник даже поселился, чтобы не упускать здание из виду.
Изучая импрессионизм в живописи, не пропустите такие работы Моне, как «Поле маков у Аржантея», «Прогулка к утесу в Пурвиле», «Женщины в саду», «Дама с зонтиком», «Бульвар Капуцинок», а также серию работ «Водяные лилии».
Пьер Огюст Ренуар
Этот художник-импрессионист имел уникальное видение красоты, что сделало Ренуара одним из самых известных представителей данного направления. Прежде всего, он знаменит своими картинами шумной парижской жизни и досуга конца XIX столетия. Ренуар прекрасно умел работать с цветом и светотенью, в особенности отмечается его исключительное умение писать обнаженную натуру, с неповторимой передачей тонов и текстуры.
Уже начиная с 80-х годов, художник-импрессионист стал больше склоняться к классической манере письма и увлекся живописью Ренессанса, что заставило его включить в свои зрелые работы более четкие линии и ясную композицию. Именно в этот период Пьер Огюст Ренуар создает одни из самых нетленных произведений своей эпохи.
Уделите особое внимание таким полотнам Ренуара, как «Завтрак гребцов», «Бал в Мулен де ла Галетт», «Танец в деревне», «Зонтики», «Танец в Буживале», «Девушки за фортепьяно».
Эдгар Дега
В истории искусства Эдгар Дега остался как художник-импрессионист, хотя сам он отрицал этот ярлык, предпочитая называть себя скорее независимым художником. Действительно, он питал определенный интерес к реализму, что отличало художника от других импрессионистов, но одновременно с этим использовал в своем творчестве множество импрессионистских техник, в частности, точно так же «играл» со светом и увлекался изображением сцен из городской жизни.
Дега всегда привлекала фигура человека, он часто изображал певиц, танцоров, прачек, стремясь изобразить человеческое тело в различных положениях, например, на полотнах «Танцевальный класс», «Репетиция», «Концерт в кафе «Амбассадор», «Оркестр оперы», «Танцовщицы в синем».
Камиль Писсарро
Писсарро был единственным художником, который принимал участие во всех восьми выставках импрессионистов с 1874 по 1886 гг. В то время как картины импрессионистов известны своими сюжетами городского и загородного отдыха, картины Писсарро показывают зрителю ежедневную жизнь французских крестьян, изображая деревенскую природу в различных условиях и при разном освещении.
Знакомясь с картинами, которые писал данный художник-импрессионист, в первую очередь стоит увидеть работы «Бульвар Монмартр ночью», «Жатва в Эраньи», «Жницы отдыхают», «Сад в Понтуазе» и «Въезд в деревню Вуазен».
Impressionism
is the newspaper of the soul.
Henri Matisse.
Импрессионизм – напрафвление в живописи, возникшее и получившее развитие во Франции во второй половине XIX века – первой четверти XX века. Это была художественная школа, ставившая на первой план «передать впечатления, но так, чтобы оно воспринималось как нечто материальное». Задачей художника-импрессиониста было изобразить собственные ощущения от предметов.
Хорошо известно, что само слово «импрессионизм» применительно к художникам впервые было употреблено журналистом Луи Леруа, которого натолкнуло на это название картины Клода Моне «Впечатление. Восход солнца », где изображен в голубоватой предрассветной дымке порт Гавра.
Картина находится в Музее Мармоттан – Моне в Париже. Здесь находится более трехсот полотен импрессионистов и неоимпресионистов, а значит, посетив музей, вы уже выйдете с некоторым пониманием идей импрессионизма. А продолжить можно в Музее д’ Орсе, коллекции которого могут позавидовать многие.
Художники-импрессионисты переносили на холсты только свое восприятие реальности и ее различные проявления, а не то, что они знали: например, земля на их картинах может быть фиолетовой, сиреневой, голубой, розовой или оранжевой, но никогда – черной или темно-коричневой.
Импрессионизм, столь критикуемый современниками, был оценен по достоинству спустя пятьдесят лет, и сегодня импрессионистов рассматриваются и ценятся как шедевры мировой живописи. Вашему вниманию представляем наиболее запомнившихся нам представителей импрессионизма.
Ренуар, Пьер Огюст(1841 – 1919гг.).
Искусствоведы говорят о том, что важным достижением Ренуара является использование теории импрессионистов и их технику не только когда писал пейзажи и натюрморты или людей на пленэре, но и при написании обнаженных моделей и портретов.
Ренуар часто обращался к изображению обнажённого женского тела. Он передавал игру света и солнца на коже, казавшейся живой на его картинах. Он писал обнаженное женское тело, с застывшими каплями воды, перламутровую сверкающую кожу, розовую, загорелую, а в конце жизни – оранжевую, переливающуюся в огне солнечных лучей.
Ренуар отвергал все теории, говоря: «Теории не помогают написать хорошую картину, чаще всего ими пытаются прикрыть недостаток выразительных средств ».
Интересно, что первые работы Ренуара выполнены в реалистичной манере. Например, «Диана-охотница» и «Харчевня матушки Антони».
Ренуар дружил с Моне, художником-импрессионистом, о котором речь пойдет ниже. Эта дружба, собственно, и привела к тому, что Ренуар будет использовать технику импрессионистов.
Тем не менее, искусствоведы и историки живописи обращают внимание на то, что если по примеру импрессионистов Ренуар и отказывается от темных тонов, но время от времени все же делает небольшие вкрапления на своих картинах. Среди работ этого периода в первую очередь можно назвать «Пон-Нёф», «Большие бульвары», «Дорожка среди высокой травы».
Последние годы жизни художник, страдающий от приступов ревматизма провел на юге Франции в Кань-сюр-Мер в усадьбе «Колетт». Работы этого периода, с 1903 по 1919г. пронизаны чувственностью, на полотнах Ренуара преобладают теплые тона - розовый красный, оранжевый.
Очень заметно влияние мастеров прошлого – Рубенса Буше и др. Например, «Суд Париса », «Купальщица вытирающая ногу ». Лучшей и последней работой считается картина «Купальщицы», написанная в 1918г. Сегодня его усадьба, в тени оливково-апельсиновой рощи, открыта для посетителей. Вы можете заглянуть в гостиную и столовую, подняться наверх в спальню художника, хранящую атмосферу его последних дней: инвалидное кресло, мольберт и кисти. На одной из стен в комнате его супруги висит фотография сына Ренуара Пьера, а из окна открывается изумительный вид Антиб и Верхние Канны.
Благодаря французскому кинематографу, вы можете сами погрузиться в последний период жизни Огюста Ренуара, познакомиться с его сыном и увидеть борьбу искусства с суровой действительностью. В марте на широкий экран выход фильм французского режиссера Жиля Бурдо «Ренуар: Последняя любовь». Художник как раз заканчивает «Купальщиц».
Лазурный берег, великий художник, его муза… французы – мастера своего дела, а возможность фактически воочию лицезреть великого мастера за работой, а потом видеть результат его труда, дорогого стоит. Именно эта картина закрывала последний Каннский фестиваль.
Моне Клод (1840 – 1926гг.).
Клода Моне называют отцом импрессионизма. Будущий художник родился в Париже, но его детство и юность прошли на севере Франции, в городе Гавр. Большое влияние на Моне оказал Эжен Буден, французский художник, считающийся предшественником импрессионизма. Именно он научил работать его на пленэре (в пер., на открытом воздухе).
Сезанн говорил: «Моне – это только глаз, но какой глаз! » Сложно поспорить и не влюбиться в парижские улицы, побережья и пейзажи Нормандии, на полотнах Моне.
Его знаменитая картина «Завтрак на траве» была написана в 1863г. в деревне Шайи-ан-Бьер, располагавшуюся на окраине леса Фонтенбло; ее центральная часть, пострадавшая от сырости и вырезанная автором, хранится в Музее д’ Орсе в Париже, а повторение картины в музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина в Москве.
Осень 1908г. и 1909гг. художник провел в Венеции, покоренный очарованием города, его постоянно меняющимся отражением на водной глади канала. Здесь Моне написал картины «Венеция: Дворец дожей» и «Венеция: Большой канал». Гению Моне невероятным образом удалось изобразить город, будто затянутый легкой предрассветной дымкой.
На закате своего творческого пути Моне создавал утонченные картины, на которые художника вдохновляли кувшинки в пруду его дома в Живерни.
Когда художник переехал в 1883 году в поисках тихого и спокойного места в Живерни, вряд ли он подозревал о том, насколько изменит жизнь сонной деревушки в Нормандии. Вскоре после его прибытия, город, в восьмидесяти километрах от Парижа, в поисках Мастера наводнили молодые художники из разных частей Европы.
В наши дни художники и любители искусства в поисках вдохновения приезжают погулять в садах Живерни, побывать в отреставрированном доме. Поэтому, если вы влюбились в прекрасные полотна Моне в музеях д"Орсе, Мармоттан и Оранжери, то Живерни в вашем списке must se е будет на первом месте.
Сислей Альфред (1839 – 1899гг.).
Будучи импрессионистом Сислей особенно много внимания уделял передаче нюансов и ощущений. Он очень любил писать водную поверхность, небо, туман, снег. «Нужно, чтобы картина вызывала у зрителя те же чувства, которые переполняли художника, когда он смотрел на этот пейзаж», - говорил Сислей.
Обратите внимание насколько легкими, почти невесомыми кажутся дома, водная гладь с легкой рябью, пастельное небо и листва деревьев. Его картины, написанные тонкими, воздушными мазками настраивают на поэтический, романтический лад.
Значительное собрание картин художника находится в Музее д’ Орсе в Париже. Не оставьте его без внимания, когда будете в столице Франции. Вы получите удовольствие от работ не только Сислея, но и картин других художников-импрессионистов, выставленных в этом музее на берегу Сены.
Писсаро Камиль (1830 – 1903гг.).
Искусствоведы пишут о том, что, если Клод Моне и Сислей больше всего любили воображать на своих картинах воду и меняющееся отражения на ее поверхности, то Писсаро отдавал предпочтение земле. Его искусство свободно от мимолетных впечатлений – все в нем более основательно. Обратите внимание, как часты в его картинах сюжеты из сельской жизни. Художник так использовал цветовую гамму, что при изучении его полотен, кажется, будто они наполнены светом изнутри. Писсаро любил писать фруктовые сады, поля, удивительно передавая изменения природы.
Писсаро был знаком с Моне, с которым они любили вместе писать в окрестностях Парижа. Здесь были написаны «Вокзал Сен-Лазар», «Павильон Флоры и Пон-Руаяль», «Площадь Комеди-Франсез», «Вид на Лувр, Сену и Пон-Нёф».
Сезанн называл его «скромным и великим», вполне заслужено, как вы считаете?
Сёра Жорж (1859 – 1891гг).
Одной из характерных черт Сёра было желание внести свежую струю в импрессионизм.
Его творчество – и рисунки, и живописные работы – опираются на теорию контрастов. Наиболее известная картина, безусловно, вам знакома, это шедевр «Воскресная прогулка на острове Гранд-Жатт», хранящаяся в Чикагском художественном институте. Эта картина стала выражением новых тенденций в искусстве, выражением идей неоимпрессионизма. Ощущение полного покоя было достигнуто путем сочетания холодных и теплых тонов, света и тени.
«Канкан», не менее известная картина художника, наоборот передает ощущение радости, движения, при помощи тёплых оттенков и ярких красок.
Хочется закончить словами Клода Моне «People discuss my art and pretend to understand as if it were necessary to understand, when it"s simply necessary to love ». (Люди обсуждают мои картины, пытаясь понять. Зачем обязательно понимать, если можно просто любить ?)
Словосочетание «Русский импрессионизм» еще только год назад резало слух среднестатистическому гражданину нашей необъятной страны. Каждый образованный человек знает про легкий, светлый и стремительный французский импрессионизм, может отличить Моне от Мане и узнать из всех натюрмортов подсолнухи Ван Гога. Кто-то что-то слышал про американскую ветвь развития этого направления живописи – более урбанистические по сравнению с французскими пейзажи Гассама и портретные изображения Чейза. Но о существовании русского импрессионизма исследователи спорят по сей день.
Константин Коровин
История русского импрессионизма началась с картины «Портрет хористки» Константина Коровина, а также с непонимания и осуждения публики. Впервые увидев это произведение, И. Е. Репин не сразу поверил в то, что работа исполнена русским живописцем: «Испанец! Это видно. Смело, сочно пишет. Прекрасно. Но только это живопись для живописи. Испанец, правда, с темпераментом…». Сам Константин Алексеевич начал писать свои полотна в импрессионистической манере еще в студенческие годы, будучи не знакомым с картинами Сезанна, Моне и Ренуара, за долго до своего путешествия во Францию. Только благодаря опытному глазу Поленова Коровин узнал, что использует технику французов того времени, к которой пришел интуитивно. В то же время русского художника выдают сюжеты, которые он использует для своих картин, – признанный шедевр «Северная Идиллия», написанная в 1892 году и хранящаяся в Третьяковской галерее, демонстрирует нам любовь Коровина к русским традициям и фольклору. Эту любовь художнику привил «мамонтовский кружок» – сообщество творческой интеллигенции, в которое входили Репин, Поленов, Васнецов, Врубель и многие другие друзья известного мецената Саввы Мамонтова. В Абрамцево, где располагалась усадьба Мамонтова и где собирались члены художественного кружка, Коровину посчастливилось познакомиться и работать с Валентином Серовым. Благодаря этому знакомству творчество уже состоявшегося художника Серова приобрело черты легкого, светлого и стремительного импрессионизма, которые мы видим в одной из его ранних работ – «Открытое окно. Сирень».
Портрет хористки, 1883
Северная идиллия, 1886
Черемуха, 1912
Гурзуф 2, 1915
Пристань в Гурзуфе, 1914
Париж, 1933
Валентин Серов
Живопись Серова пронизана присущей только русскому импрессионизму чертой – в его картинах отражено не только впечатление от увиденного художником, но и состояние его души в данный момент. Например, на картине «Площадь святого Марка в Венеции», написанной в Италии, куда отправился Серов в в 1887 году в связи с тяжелой болезнью, преобладают холодные серые тона, что дает нам представление о состоянии художника. Но, несмотря на достаточно мрачную палитру, картина является эталонным импрессионистическим произведением, так как на ней Серову удалось запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. В письме невесте из Венеции Серов писал: “В нынешнем веке пишут все тяжелое, ничего отрадного. Я хочу, хочу отрадного, и буду писать только отрадное”.
Открытое окно. Сирень, 1886
Площадь Св. Марка в Венеции, 1887
Девочка с персиками (Портрет В. С. Мамонтовой)
Коронация. Миропомазание Николая II в Успенском соборе, 1896
Девушка, освещенная солнцем, 1888
Купание лошади, 1905
Александр Герасимов
Одним из учеников Коровина и Серова, перенявшим у них экспрессивный мазок, яркую палитру и этюдную манеру письма, стал Александр Михайлович Герасимов. Расцвет творчества художника пришелся на время революции, что не смогло не отразиться в сюжетах его картин. Несмотря на то что Герасимов отдал свою кисть на службу партии и прославился благодаря выдающимся портретам Ленина и Сталина, он продолжал работать над импрессионистическими пейзажами, близкими его душе. Работа Александра Михайловича «После дождя» открывает нам художника как мастера передачи воздуха и света на картине, чему Герасимов обязан влиянию своих именитых наставников.
Художники на даче у Сталина, 1951
Сталин и Ворошилов в Кремле, 1950-е
После дождя. Мокрая терраса, 1935
Натюрморт. Полевой букет, 1952
Игорь Грабарь
В разговоре о позднем русском импрессионизме нельзя не обратиться к творчеству великого деятеля искусства Игоря Эммануиловича Грабаря, перенявшему многие техники французских живописцев второй половины XIX века благодаря своим многочисленным поездкам в Европу. Используя приемы классических импрессионистов, на своих картинах Грабарь изображает абсолютно русские пейзажные мотивы и бытовые сюжеты. Пока Моне рисует цветущие сады Живерни, а Дега – прекрасных балерин, Грабарь изображает теми же пастельными цветами суровую русскую зиму и деревенскую жизнь. Больше всего Грабарь любил изображать на своих полотнах иней и посвятил ему целую коллекцию произведений, состоящую из более ста маленьких разноцветных набросков, созданных в разное время суток и при разной погоде. Сложность работы над такими рисунками состояла в том, что краска застывала на морозе, поэтому работать приходилось быстро. Но именно это и позволяло художнику воссоздать «тот самый момент» и передать свое впечатление от него, что и является главной идеей классического импрессионизма. Часто стиль живописи Игоря Эммануиловича называют научным импрессионизмом, потому как он придавал большое значение свету и воздуху на полотнах и создал множество исследований о передачи цвета. Более того, именно ему мы обязаны хронологическим расположением картин в Третьяковской галерее, директором которой он был в 1920-1925 годах.
Березовая аллея, 1940
Зимний пейзаж, 1954
Иней, 1905
Груши на синей скатерти, 1915
Уголок усадьбы (Луч солнца), 1901
Юрий Пименов
Совершенно неклассический, но все же импрессионизм развивался и в советское время, ярким представителем которого становится Юрий Иванович Пименов, пришедший к изображению «мимолетного впечатления в постельных тонах» после работы в стиле экспрессионизма. Одной из самых известных работ Пименова становится картина «Новая Москва» 1930х годов – светлая, теплая, будто написанная воздушными мазками Ренуара. Но в то же время сюжет этой работы совершенно не сочетается с одной из основных идей импрессионизма – отказа от использования социальных и политических тем. «Новая Москва» Пименова как раз великолепно отражает социальные изменения в жизни города, которые всегда вдохновляли художника. «Пименов любит Москву, ее новь, ее людей. Живописец щедро отдает это свое чувство зрителю», – пишет в 1973 году художник и исследователь Игорь Долгополов. И действительно, глядя на картины Юрия Ивановича, мы проникаемся любовью к советской жизни, новым кварталам, лирическим новосельям и урбанистике, запечатленным в технике импрессионизма.
Творчество Пименова еще раз доказывает, что у всего «русского», привезенного из других стран, свой особенный и уникальный путь развития. Так и французский импрессионизм в Российской империи и Советском Союзе вобрал в себя черты русского мировоззрения, национального характера и быта. Импрессионизм как способ передачи одного лишь восприятия действительности в чистом виде остался чужим для русского искусства, потому что каждая картина русских художников наполнена смыслом, осознанием, состоянием переменчивой русской души, а не просто мимолетным впечатлением. Поэтому уже в следующие выходные, когда Музей Русского Импрессионизма заново представит основную экспозицию москвичам и гостям столицы, каждый найдет что-то для себя среди чувственных портретов Серова, урбанистики Пименова и нетипичных для Кустодиева пейзажей.
Новая Москва
Лирическое новоселье, 1965
Костюмерная Большого театра, 1972
Раннее утро в Москве, 1961
Париж. Улица Сен-Доминик. 1958
Стюардесса, 1964
Возможно, для большинства людей до сих пор фамилии Коровин, Серов, Герасимов и Пименов не связаны определенным стилем искусства, но открывшийся в мае 2016 года в Москве Музей русского импрессионизма все же собрал произведения этих художников под одной крышей.
