Число стилей и направлений огромно, если не бесконечно. Ключевым признаком, по которому произведения можно группировать по стилям, являются единые принципы художественного мышления. Смена одних способов художественного мышления другими (чередование типов композиций, приемов пространственных построений, особенностей колорита) не случайна. Исторически изменчиво и наше восприятие искусства.
Выстраивая систему стилей в иерархическом порядке, будем придерживаться европоцентристской традиции. Наиболее крупным в истории искусства является понятие эпохи. Для каждой эпохи характерна определенная «картина мира», которая складывается из философских, религиозных, политических идей, научных представлений, психологических особенностей мировосприятия, этических и моральных норм, эстетических критериев жизни, по которой и отличают одну эпоху от другой. Таковы Первобытная эпоха, эпоха Древнего мира, Античность, Средние века, Возрождение, Новое время.
Стили в искусстве не имеют четких границ, они плавно переходят один в другой и находятся в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает.
В одну и ту же историческую эпоху могут сосуществовать несколько стилей. Например, Классицизм, Академизм и Барокко в XVII столетии, Рококо и Неоклассицизм - в XVIII, Романтизм и Академизм - в XIX. Такие стили как, например, классицизм и барокко называют большими стилями, поскольку они распространяются на все виды искусства: архитектуру, живопись, декоративно-прикладное искусство, литературу, музыку.
Следует различать: художественные стили, направления, течения, школы и особенности индивидуальных стилей отдельных мастеров. В рамках одного стиля может существовать несколько художественных направлений. Художественное направление складывается как из типичных для данной эпохи признаков, так и из своеобразных способов художественного мышления. Стиль модерн, например, включает ряд направлений рубежа веков: и постимпрессионизм, и символизм, и фовизм и т.д. С другой стороны, понятие символизма, как художественного направления, хорошо разработано в литературе, в то время как в живописи оно очень размыто и объединяет художников, настолько разных стилистически, что часто трактуется лишь как объединяющее их мировоззрение.
Ниже будут приведены определения эпох, стилей и направлений, которые так или иначе отразились в современном изобразительном и декоративно-прикладном искусстве.
| - художественный стиль, сформировавшийся в странах Западной и Центральной Европы в XII-XV вв. Он явился результатом многовековой эволюции средневекового искусства, его высшей стадией и одновременно первым в истории общеевропейским, интернациональным художественным стилем. Он охватил все виды искусства - архитектуру, скульптуру, живопись, витраж, книжное оформление, декоративно-прикладное искусство. Основой готического стиля была архитектура, которая характеризуется устремленными ввысь стрельчатыми арками, многоцветными витражами, визуальной дематериализацией формы. Элементы готического искусства часто можно встретить в современном оформлении интерьеров, в частности, в настенной росписи, реже в станковой живописи. С конца прошлого века существует готическая субкультура, ярко проявившаяся в музыке, поэзии, дизайне одежды. |
|
| (Ренессанс) - (франц. Renaissance, итал. Rinascimento) Эпоха в культурном и идейном развитии ряда стран Западной и Центральной Европы, а также некоторых стран Восточной Европы. Основные отличительные черты культуры Возрождения: светский характер, гуманистическое мировоззрение, обращение к античному культурному наследию, своего рода "возрождение" его (отсюда и название). Культура Возрождения обладает специфическими особенностями переходной эпохи от средневековья к новому времени, в которой старое и новое, переплетаясь, образуют своеобразный, качественно новый сплав. Сложным является вопрос о хронологических границах Возрождения (в Италии - 14-16 вв., в других странах - 15-16 вв.), его территориальном распространении и национальных особенностях. Элементы этого стиля в современном искусстве довольно часто используются в настенных росписях, реже в станковой живописи. | |
 |
- (от итальянского maniera - приём, манера) течение в европейском искусстве XVI века. Представители маньеризма отошли от ренессансного гармонического восприятия мира, гуманистической концепции человека как совершенного творения природы. Острое восприятие жизни сочеталось с программным стремлением не следовать природе, а выражать субъективную "внутреннюю идею" художественного образа, рождающегося в душе художника. Ярче всего проявился в Италии. Для итальянского маньеризма 1520-х гг. (Понтормо, Пармиджанино, Джулио Романо) характерны драматическая острота образов, трагизм мировосприятия, усложненность и преувеличенная экспрессия поз и мотивов движения, удлиненность пропорций фигур, колористические и светотеневые диссонансы. В последнее время стал использоваться искусствоведами для обозначения явлений в современном искусстве, связанных с трансформацией исторических стилей. |
| - исторический художественный стиль, получивший распространение первоначально в Италии в сер. XVI-XVII столетия, а затем во Франции, Испании, Фландрии и Германии XVII-XVIII вв. Шире этот термин используется для определения вечно обновляющихся тенденций беспокойного, романтического мироощущения, мышления в экспрессивных, динамичных формах. Наконец, в каждом времени, почти в каждом историческом художественном стиле можно обнаружить свой «период барокко» как этап наивысшего творческого подъема, напряжения эмоций, взрывоопасности форм. | |
| - художественный стиль в западноевропейском искусстве XVII - нач. XIX века и в русском XVIII - нач. XIX, обращавшийся к античному наследию как к идеалу для подражания. Он проявился в архитектуре, скульптуре, живописи, декоративно-прикладном искусстве. Художники-классицисты считали античность высшим достижением и сделали ее своим эталоном в искусстве, которому стремились подражать. Со временем переродился в академизм. | |
| - направление в европейском и русском искусстве 1820-1830-х гг., сменившее классицизм. Романтики выдвигали на первый план индивидуальность, противопоставляя идеальной красоте классицистов «несовершенную» действительность. Художников привлекали яркие, редкие, необычайные явления, а также образы фантастического характера. В искусстве романтизма большую роль играет острое индивидуальное восприятие и переживание. Романтизм освободил искусство от отвлеченных классицистических догм и повернул его к национальной истории и образам народного фольклора. | |
 |
- (от лат. sentiment - чувство) - направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в “цивилизации”, основанной на идеалах “разума” (идеологии Просвещения). С. провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом С. считается Ж.Ж.Руссо. |
| - направление в искусстве, стремящееся с наибольшей правдой и достоверностью отобразить как внешнюю форму, так и сущность явлений и вещей. Как творческий метод соединяет в себе индивидуальные и типические черты при создании образа. Самое длительное по времени существования направление, развивающееся от первобытной эпохи до наших дней. | |
| - направление в европейской художественной культуре конца XIX-начала XX вв. Возникший как реакция на господство в гуманитарной сфере норм буржуазного "здравомыслия" (в философии, эстетике - позитивизма, в искусстве - натурализма), символизм прежде всего оформился во французской литературе конца 1860-70-е гг., позднее получил распространение в Бельгии, Германии, Австрии, Норвегии, России. Эстетические принципы символизма во многом восходили к идеям романтизма, а также к некоторым доктринам идеалистической философии А. Шопенгауэра, Э. Гартмана, отчасти Ф. Ницше, к творчеству и теоретизированию немецкого композитора Р. Вагнера. Живой реальности символизм противополагал мир видений и грёз. Универсальным инструментом постижения тайн бытия и индивидуального сознания считался символ, порождённый поэтическим прозрением и выражающий потусторонний, скрытый от обыденного сознания смысл явлений. Художник-творец рассматривался как посредник между реальным и сверхчувственным, везде находящий "знаки" мировой гармонии, пророчески угадывающий признаки будущего как в современных явлениях, так и в событиях прошлого. | |
| - (от фр. impression - впечатление) направление в искусстве последней трети XIX - начала XX в., возникшее во Франции. Название было введено художественным критиком Л. Леруа, пренебрежительно отозвавшемся о выставке художников 1874 года, где среди прочих была представлена картина К. Моне «Восход солнца. Впечатление». Импрессионизм утверждал красоту реального мира, акцентируя свежесть первого впечатления, изменчивость окружающего. Преимущественное внимание к решению чисто живописных задач уменьшало традиционное представление о рисунке как о главной составной части произведения искусства. Импрессионизм оказал мощное воздействие на искусство европейских стран и США, пробудил интерес к сюжетам из реальной жизни. (Э. Мане, Э. Дега, О. Ренуар, К. Моне, А. Сислей и др.) | |
| - течение в живописи (синоним - дивизионизм), развивавшееся в рамках неоимпрессионизма. Неоимпрессионизм возник во Франции в 1885 году и получил распространение также в Бельгии и Италии. Неоимпрессионисты пытались применить в искусстве новейшие достижения в области оптики, согласно которым выполненная раздельными точками основных цветов живопись в зрительном восприятии дает слияние цветов и всю гамму живописи. (Ж. Сера, П. Синьяк, К. Писсарро). | |
 |
Постимпрессионизм - условное собирательное название основных направлений французской живописи к. XIX - 1-ой четв. XX в. Искусство постимпрессионизма возникло как реакция на импрессионизм, который фиксировал внимание на передаче мгновения, на ощущении живописности и утратил интерес к форме предметов. Среди постимпрессионистов - П. Сезанн, П. Гоген, В. Гог и др. |
| - cтиль в eвpoпeйcкoм и aмepикaнcкoм иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Мoдepн пepeocмыcливaл и cтилизoвaл чepты иcкyccтвa paзныx эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax acиммeтpии, opнaмeнтaльнocти и дeкopaтивнocти. Объeктoм cтилизaции мoдepнa также cтaнoвятcя и пpиpoдныe фopмы. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa - oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, нaпoминaющиx pacтитeльныe фopмы. Тecнo cвязaн c мoдepнoм - cимвoлизм, пocлyживший эcтeтикo-филocoфcкoй основой для мoдepнa, опиpaясь нa мoдepн кaк нa плacтичecкyю peaлизaцию cвoиx идeй. Модерн имел в разных странах разные названия, которые в сущности являются синонимами: Ар Нуво - во Франции, Сецессион - в Австрии, Югендстиль - в Германии, Либерти - в Италии. |
|
 |
- (от фр. modern - современный) общее название ряда направлений искусства первой половины XX в., для которых характерны отрицание традиционных форм и эстетики прошлого. Модернизм близок авангардизму и противоположен академизму. |
| - название, объединяющее круг художественных направлений, распространенных в 1905-1930-х гг. (фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм). Все эти направления объединяет стремление обновить язык искусства, переосмыслить его задачи, обрести свободу художественного выражения. | |
 |
- направление в искусстве к. XIX - н. XX в., основанное на творческих уроках французского художника Поля Сезанна, который сводил все формы в изображении к простейшим геометрическим фигурам, а колорит - к контрастным построениям теплых и холодных тонов. Сезаннизм послужил одной из отправных точек для кубизма. В большой мере сезаннизм повлиял также на отечественную реалистическую школу живописи. |
 |
- (от fauve - дикий) авангардистское течение во французском искусстве н. XX в. Название «дикие» было дано современными критиками группе художников, выступивших в 1905 г. В парижском Салоне независимых, и носило иронический характер. В группу входили А. Матисс, А. Марке, Ж. Руо, М. де Вламинк, А. Дерен, Р. Дюфи, Ж. Брак, К. ван Донген и др. Фовистов сближали тяготение к лаконичной выразительности форм и интенсивным колористическим решениям, поиск импульсов в примитивном творчестве, искусстве средних веков и Востока. |
| - намеренное упрощение изобразительных средств, подражание примитивным стадиям развития искусства. Этим термином обозначают т.н. наивное искусство художников, не получивших специального образования, однако вовлеченных в общий художественный процесс к. XIX - нач. XX века. Произведениям этих художников - Н. Пиросмани, А. Руссо, В. Селиванова и др. присуща своеобразная детскость в интерпретации натуры, сочетание обобщенной формы и мелкой буквальности в деталях. Примитивизм формы отнюдь не предопределяет примитивность содержания. Он часто служит источником для профессионалов, заимствовавшим из народного, по сути примитивного искусства формы, образы, методы. Из примитивизма черпали вдохновение Н. Гончарова, М. Ларионов, П. Пикассо, А. Матисс. | |
 |
- направление в искусстве, сложившееся на основе следования канонам античности и эпохи Возрождения. Бытовало во многих европейских школах искусства с XVI по XIX век. Академизм превращал классические традиции в систему «вечных» правил и предписаний, сковывавших творческие поиски, пытался противопоставить несовершенной живой природе «высокие» улучшенные, доведенные до совершенства вненациональные и вневременные формы красоты. Для Академизма характерно предпочтение сюжетов из античной мифологии, библейских или исторических тем сюжетам из современной художнику жизни. |
| - (фpaнц. cubisme, oт cube - кyб) нaпpaвлeниe в иcкyccтвe пepвoй чeтвepти XX вeкa. Плacтичecкий язык кyбизмa ocнoвывaлcя нa дeфopмaции и paзлoжeнии пpeдмeтoв нa гeoмeтpичecкиe плocкocти, плacтичecкoм cдвигe фopмы. Рождение кубизма приходится на 1907-1908 года - канун первой мировой войны. Бесспорным лидером этого направления стал поэт и публицист Г.Аполлинер. Это течение одним из первых воплотило ведущие тенденции дальнейшего развития искусства ХХ века. Одной из этих тенденций стало доминирование концепции над художественной самоценностью картины. Отцами кубизма считают Ж.Брака и П.Пикассо. К возникшему течению примкнули Фернан Леже, Робер Делоне, Хуан Грис и др. | |
| - течение в литературе, живописи и кинематографе, возникшее в 1924 году во Франции. Оно в значительной мере способствовало формированию сознания современного человека. Главные деятели движения - Андре Бретон, Луи Арагон, Сальвадор Дали, Луис Бунюэль, Хуан Миро и многие другие художники всего мира. Сюрреализм выражал идею существования за пределами реального, особенно важную роль здесь приобретают абсурд, бессознательное, сны, грезы. Одним из характерных методов художника-сюрреалиста является отстранение от осознанного творчества, что делает его инструментом, различными способами извлекающим причудливые образы подсознания, родственные галлюцинациям. Сюрреализм пережил несколько кризисов, пережил вторую мировую войну и постепенно, сливаясь с массовой культурой, пересекаясь с трансавангардом, вошел в качестве составной части в постмодернизм. | |
 |
- (oт лaт. futurum - бyдyщee) литepaтypнo-xyдoжecтвeннoe тeчeниe в иcкyccтвe 1910-x гoдoв. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Baжнoй xyдoжecтвeннoй идeeй фyтypизмa cтaл пoиcк плacтичecкoгo выpaжeния cтpeмитeльнocти движeния кaк ocнoвнoгo пpизнaкa тeмпa coвpeмeннoй жизни. Pyccкaя вepcия фyтypизмa нocилa нaзвaниe кyбoфyтypизм и былa ocнoвaнa нa coeдинeнии плacтичecкиx пpинципoв фpaнцyзcкoгo кyбизмa и eвpoпeйcкиx oбщeэcтeтичecкиx ycтaнoвoк фyтypизмa. |
ЖИВОПИСЬ И ЕЁ ВИДЫ?
Живопись- это искусство плоскости и одной точки зрения, где пространство и объем существуют только в иллюзии.
Большое разнообразие и полнота явлений, впечатлений, эффектов, которые способна воплощать живопись. Живописи доступен весь мир чувств, характеров, взаимоотнашений, переживаний. Ей доступны самые тонкие наблюдения натуры, вечные идеи, впечатления, тонкие оттенки настроений.
Слово «живопись» образовано от слов «живо» и «писать». «Живописать, -- объясняет Даль, -- изображать верно и живо кистью или словами, пером». Для рисующего изображать верно означает точную передачу внешнего облика увиденного, его важнейших признаков. Верно передать их удавалось графическими средствами -- линией и тоном. Но передать живо этими ограниченными средствами многоцветие окружающего мира, пульсацию жизни в каждом сантиметре цветной поверхности предмета, очарование этой жизни и постоянное движение и изменение невозможно. Правдиво отразить колорит реального мира помогает живопись -- один из видов изобразительного искусства.
Цвет -- главное изобразительное и выразительное средство в живописи -- обладает тоном, насыщенностью и светлотой; он как бы сплавляет в целое все характерное в предмете: и то, что можно изобразить линией, и то, что ей недоступно.
Живопись, как и графика, пользуется светлыми и темными линиями, мазками и пятнами, но в отличие от нее эти линии, мазки и пятна цветные. Они передают цвет источника света через блики и ярко освещенные поверхности, лепят объемную форму предметным (локальным) цветом и цветом, отраженным средой, устанавливают пространственные отношения и глубину, изображают фактуру и материальность предметов.
Задача живописи -- не только показать что-либо, но и раскрыть внутреннюю сущность изображаемого, воспроизвести «типичные характеры в типичных обстоятельствах». Поэтому правдивое художественное обобщение явлений жизни представляет собой основу основ реалистической живописи.
1. ВИДЫ ЖИВОПИСИ
Живопись подразделяют на монументальную, декоративную, театрально-декорационную, миниатюрную и станковую.
Монументальная живопись -- это особый вид живописных произведений большого масштаба, украшающих стены и потолки архитектурных сооружений. Она раскрывает содержание крупных социальных явлений, оказавших положительное влияние на развитие общества, прославляет их и увековечивает, содействуя воспитанию людей в духе патриотизма, прогресса и гуманности. Возвышенность содержания монументальной живописи, значительные размеры ее произведений, связь с архитектурой требуют больших цветовых масс, строгой простоты и лаконизма композиции, ясности контуров и обобщенности пластической формы.
Декоративная живопись применяется для украшения зданий, интерьера в виде красочных панно, которые реалистическим изображением создают иллюзию прорыва стены, зрительного увеличения размеров помещения или, напротив, нарочито уплощенными формами утверждают плоскостность стены и замкнутость пространства. Узоры, венки, гирлянды и прочие виды декора, украшающие произведения монументальной живописи и скульптуры, связывают воедино все элементы интерьера, подчеркивая их красоту, согласованность с архитектурой.
Театрально-декорационная живопись (декорации, костюмы, грим, бутафория, выполненные по эскизам художника) помогает глубже раскрыть содержание спектакля. Особые театральные условия восприятия декорации требуют учета множества точек зрения публики, их большой удаленности, воздействия искусственного освещения и цветных подсветов. Декорация дает представление о месте и времени действия, активизирует у зрителя восприятие того, что происходит на сцене. Театральный художник стремится в эскизах костюмов и грима остро выразить индивидуальный характер персонажей, их социальное положение, стиль эпохи и многое другое.
Миниатюрная живопись получила большое развитие в средние века, до изобретения книгопечатания. Рукописные книги украшались тончайшими заставками, концовками, детально проработанными иллюстрациями-миниатюрами. Живописной техникой миниатюры русские художники первой половины XIX века искусно пользовались при создании небольших (главным образом акварельных) портретов. Чистые глубокие цвета акварели, их изысканные сочетания, ювелирная тонкость письма отличают эти портреты, полные изящества и благородства.
Станковая живопись , выполняемая на станке -- мольберте, в качестве материальной основы использует дерево, картон, бумагу, но чаще всего холст, натянутый на подрамник. Станковая картина, являясь самостоятельным произведением, может изображать решительно все: фактическое и вымышленное художником, неодушевленные предметы и людей, современность и историю -- словом, жизнь во всех ее проявлениях. В отличие от графики станковая живопись обладает богатством цвета, который помогает эмоционально, психологически многогранно и тонко передать красоту окружающего мира.
По технике и средствам исполнения живопись подразделяется на масляную, темперную, фресковую, восковую, мозаичную, витражную, акварельную, гуашевую, пастельную. Названия эти получились от связующего вещества или от способа применения материально-технических средств.
Масляная живопись выполняется краской, стертой на растительных маслах. Густая краска при добавлении к ней масла или специальных разбавителей и лаков разжижается. Масляной краской можно работать на холсте, дереве, картоне, бумаге, металле.
Темперная живопись выполняется краской, приготовленной на яичном желтке или на казеине. Темперная краска растворяется водой и наносится пастозно или жидко на стену, холст, бумагу, дерево. Темперой на Руси создавались настенные росписи, иконы и узоры на бытовых предметах. В наше время темперу используют в живописи и графике, в декоративно-прикладном искусстве и художественно-оформительском деле.
Фресковая живопись украшает интерьеры в виде монументально-декоративных композиций, нанесенных по сырой штукатурке водяными красками. Фреска имеет приятную матовую поверхность и долговечна в условиях закрытого помещения.
Восковая живопись (энкаустика) применялась еще художниками Древнего Египта, о чем свидетельствуют знаменитые «фаюмские портреты» (I век н. э.). Связующим веществом в энкаустике служит отбеленный воск. Восковые краски наносятся в расплавленном состоянии на подогретую основу, после чего прижигаются.
Мозаичная живопись , или мозаика, собирается из отдельных кусочков смальты или цветных камней и закрепляется на особом цементном грунте. Прозрачная смальта, вставленная в грунт под разными углами, отражает или преломляет свет, вызывая вспыхивание и мерцание цвета. Мозаичные панно можно встретить в метро, в театральных и музейных интерьерах и т. д. Витражная живопись -- произведения декоративного искусства, предназначенные для украшения оконных проемов в каком-либо архитектурном сооружении. Витраж составляется из кусков цветного стекла, скрепленных прочным металлическим каркасом. Световой поток, пробивая цветную поверхность витража, рисует на полу и стенах интерьера декоративно эффектные, многоцветные узоры.
МАТЕРИАЛ В ЖИВОПИСНЫХ ПРОИЗВЕДЕНИЯХ.
По технике и средствам исполнения, живопись подразделяют на масляную, темперную, фресковую, восковую, мозаичную, витражную, акварельную, гуашевую, пастельную.
Материалы станковой живописи: изначально применялось дерево.его употребляли в Египте, Древней Греции.
В эпоху раннего Ренессанса в XIV веке из одного куска делались, картина и рама для неё. (в Италии XV-XVI вв. чаще всего применяли тополь, реже иву, ясень, орех.в раннюю пору использовали толстые доски, на задне стороне не обстрганные.в Нидерландах, Франции с XVI века стали применять дубовые доски.в Германии- липу, бук, ель).
С XVIII века дерево теряет свою популярность.Появляется "Холст".Он встречается уже у античных художников.Холст сочетается с деревом.В эту эпоху все же холст применяется эпизодически. Достигает холст широкого применения только в XV-XVI веках.Пользовались для темперы.
Со второй половины XVI века появляются медные доски.Для небольших картин.(особой популярностью польз. во Фландрии).
В XIX веке иногда для набросков пользовались для набросков картоном.
В живописи средних веков и раннего Возрождения господствует болый шлифованный грунт из гипса и мела. В XIII-XIV веках применялось золото для покрытия белой грунтовки. В конце XIV века золотая грунтовка постепенно исччезает. Вместо гипса или мела грунтуют масляной краской.В конце XVI века красочная грунтовка масляными красками получает полное признание в Италии.Популярным был красновато-коричневый грунт.(БОЛЮС)
Решающий шаг делается в начале XVIII века, совершается бифуркация к технике трех карандашей.
XVIII век- расцвет постели.(крупнейшие мастера Шарден, Латур, Лиотар).
Акварель начинается очень поздно, позднее чем пастель.техника акварели известна очень давно.Её знали ужее в Древнем Египте, в Китае.Акварель применяли среедневековые миниатюристы.
С конца XV века усиливается популярность маслянной живописи. В XVI веке вытесняет темперы.
Французкие романтики начала XIX века, увлекались битумом(или асфальтом).
ОСНОВНЫЕ ВИДЫ ПЕРСПЕКТИВЫ В ЖИВОПИСИ
Перспектива - наука об изображении предметов в пространстве на плоскости или какой-либо поверхности в соответствии с теми кажущимися окращениями их размеров, изменениями очертаний формы и светотеневых отношений, которые наблюдаются в натуре.
(Класическая перспектива-соответствует определенному интелектуальному уровню, в рамках которго собственная точка зрения не может отличаться от других, а её практическое осуществление в действительности может представлять собой вид самодостаточного технического совершенства.
Динамическая перспектива-является частной формой примитивной перспективы.
Слово «живопись» произошло от русских слов «живой» и «писать», получается словосочетание «живое письмо». Живопись как означает изображение реального мира, нарисованного при помощи подручных материалов (карандашей, красок, пластилина и др.) на плоских поверхностях. Можно сказать, что проекция реального мира через призму воображения художника - это и
Виды живописи
Данный пестрит разнообразием типов и приемов изображения реальности, которые зависят не только от техники исполнения работы художника и используемых материалов, но и от содержания и смыслового посыла творчества. Для того чтобы передать чувства, эмоции и мысли, художник в первую очередь пользуется правилами игры с цветом и светом: соотношение цветовых оттенков и игры бликов и теней. Благодаря этому секрету картины получаются действительно живыми.
Чтобы добиться такого эффекта, нужно умело пользоваться красочными материалами. Поэтому живопись, виды которой зависят от техники рисования и типов краски, может использовать акварель, масло, темперу, пастель, гуашь, воск, акрил и прочее. Все зависит от желания художника.
В изобразительном искусстве существуют такие основные виды живописи:
1. Монументальная живопись. От самого названия такого типа искусства веет тем, что жить творение будет многие века. Данный вид подразумевает под собой симбиоз архитектуры и изобразительного искусства. Монументальную живопись чаще всего можно увидеть в религиозных храмах: это расписанные стены, своды, арки и потолки. Когда рисунок и само здание становятся одним целым, такие произведения имеют глубокий смысл и несут в себе глобальную культурную ценность. Фрески больше и чаще подпадают под этот вид живописи. Они, как правило, выполняются не только при помощи красок, но и керамической плитки, стекла, цветных камней, ракушечника и т.д.
2. Станковая живопись. Виды подобного изобразительного искусства очень распространены и доступны любому художнику. Чтобы живопись считалась станковой, творцу потребуется холст (мольберт) и рамка под него. Таким образом, картина будет носить независимый характер, и нет разницы, где и в каком архитектурном строении она находится.
3. Виды и формы выражения творчества безграничны, и доказательством может послужить этот тип искусства. существует не одну тысячу лет: это украшения для дома, роспись посуды, создание сувениров, роспись тканей, мебели и пр. Суть творчества заключается в том, чтобы предмет и рисунок на нем стали одним целым. Дурным вкусом считается, когда художник на предмете изображает совершенно неподходящий рисунок.
4. подразумевает под собой изобразительное оформление для театральных спектаклей, а также кино. Этот вид искусства позволяет зрителю более точно понять и принять образ пьесы, спектакля или фильма.
Жанры живописи
В теории искусства немаловажным считается и выделение жанров живописи, каждому из которых присущи свои особенности:
Портрет.
Натюрморт.
Иконопись.
Анимализм.
История.
Это основные которые существуют на протяжении долгих времен в истории искусства. Но прогресс не стоит на месте. С каждым годом список жанров растет и увеличивается. Так, появились абстракция и фэнтези, минимализм и др.
Виды изобразительного искусства.
Живопись
Живопись — один из древнейших видов искусства, связанный с передачей зрительных образов посредством нанесения красок на твёрдую или гибкую основу. Наиболее распространены произведения живописи, выполненные на плоских или почти плоских поверхностях, таких как натянутый на подрамник холст, дерево, картон, бумага, обработанные поверхности стен и т. В узком значении термин живопись противопоставляется работам, созданным на бумаге, для которых применяется термин - графика .
Ирина Шанько
"Март, на берегу Финского залива"
холст, масло
33/58
2011г
Классификация.
Также живопись можно разделить на станковую и монументальную. Вот примерное разделение на эти типы, хотя практически любой материал станковой живописи может быть применен и в монументальной. К станковой живописи относятся "небольшие" работы, которые можно поставить на мольберт или на несколько. Монументальная, живопись основу которой обычно не переносят- стена, потолок и т.п.
Станковая:
Маслянная
живопись,техника, использующая краски с растительным маслом в качестве основного связующего вещества. Маслянные краски состоят из сухих пигментов и высыхающего масла.
Шанько Ирина, "Заснувшие лодки",холст/масло, 50/60, 2014
Темперная живопись, связующим веществом является желток куриного яйца.
Свое название этот вид живописи получил от наименования краски - темпера. В основе этого слова латинское temperare, что значит «смешивать». Технология производства этой краски приблизительно заключалась в следующем. Пигменты растирали с водой и высушивали. Далее их смешивали с яйцом, разведенным клеем, уксусом, вином или пивом.
Техника рисования темперой заключалась в последовательном нанесении нескольких слоев. На подготовленную поверхность наносили легкий слой краски. Сначала художники обрисовывали контуры, изображали окружающую обстановку, природу, одежды. Изображения людей прорисовывались на заключительном этапе. При этом, в темперной живописи было очень важно, чтобы каждый из слоев хорошо высох, иначе последующие могли расплываться. К счастью структура красок позволяла им сохнуть очень быстро. Поэтому работа художника над изображением шла практически непрерывно.
Андрей Рублев, "Троица", 1411 или 1425-27, дерево, темпера, 142/114 см, государственная Третьяковская галерея, Москва.
_____________________________________________________________________________________________________
Клеевая живопись, на основе животного клея.техники, при которой связующим пигмента служит клей: животный (рыбий, мездровый, костный, казеиновый) или растительный (крахмал, камеди, трагант).
Краски в клеевой живописи кроющие, непрозрачные, живописная поверхность матовая. При большом содержании клея в краске поверхность приобретает блеск, а цвет - повышенную интенсивность.
Мария со спящим Иисусом, 1455.
_____________________________________________________________________________________________________
Энкаустика , живопись восковыми красками.
Энка́устика (от др.-греч. ἐγκαυστική — [искусство] выжигания) — техника живописи, в которой связующим веществом красок является воск. Живопись выполняется красками в расплавленном виде (отсюда и название).
Апостол Петр (н. VI века)
_____________________________________________________________________________________________________
Монументальная
:
Фреска , одна из техник настенной росписи характеризующаяся написание по сырой штукатурке.
Фре́ска (от итал. fresco
— свежий), aффреско (итал affresco
) — живопись по сырой штукатурке одна из техник стенных росписей, противоположность «А секко» (росписи по сухому). При высыхании содержащаяся в штукатурке известь образует тонкую прозрачную кальциевую плёнку, делающую фреску долговечной.
В настоящее время термином «фреска» могут называть любую стенную живопись, вне зависимости от её техники (а секко, темпера, живопись маслянными, акриловыми красками и т. д.). Иногда по уже сухой фреске пишут темперой.
Римская фреска, 40-30 г. до н. э.
_____________________________________________________________________________________________________
А секко , в противоположность от фрески, роспись по сухой штукатурке.
А секко также называют казеиновую и силикатная живопись (Минеральная живопись — техническая разновидность монументальной живописи, основанная на применении растворимого стекла в качестве связующего.) по просохшей штукатурке. Её применяют для выполнения работ как на внутренних, так и на внешних поверхностях зданий. Техника допускает последующие поправки темперой и промывку чистой водой.
Леонардо да Винчи. Тайная Вечеря.1498
_____________________________________________________________________________________________________
Сграфито , стенопись, суть которой состоит в особенности многоуровневого нанесение краски.
Сграффи́то (итал. sgraffito ) или граффи́то (итал. graffito ) — техника создания настенных изображений, достоинством которых является их большая стойкость.
Простейший случай двухцветного сграффито — нанесение на стену одного слоя штукатурки, отличающегося по цвету от основы. Если в некоторых местах процарапать слой, обнажится нижний, другого цвета и получится двухцветный рисунок. Для получения многоцветного сграффито на стену наносят несколько отличающихся по цвету слоёв штукатурки (штукатурку окрашивают разными пигментами); затем штукатурку соскребают на разную глубину, чтобы обнажить слой с нужным цветом.
Такие росписи очень трудоемки, их трудно исправлять, поэтому, для выполнения росписи в такой технике часто используют трафарет, чтобы избежать ошибок.
Двухцветное сграффито, Březnice,Чехия
_____________________________________________________________________________________________________
Акрил , воднодисперсные краски.
Акриловые краски при высыхании становятся темнее. Они могут использоваться также как альтернатива маслянной краске с применяемыми широко известными техниками. Высыхают очень быстро — в этом их преимущество перед другими красками. Наносить можно как в очень жидком, разбавленном состоянии (разбавляется водой), так и в пастообразном состоянии, сгущаемым специальными сгустителями, используемыми художниками, при этом акрил не образует трещин, в отличие от масляных красок. Кладётся краска ровной плёнкой, немного блестит, не требует закрепления закрепителями и лаками, имеет свойство образовывать плёнку, смываемую после высыхания только специальными растворителями.
Акриловые краски и лаки можно использовать на любой нежирной основе.
Свежая акриловая краска без труда удаляется с предметов водой, но при засыхании требует специальных растворителей.
_____________________________________________________________________________________________________
Изображение на плоскости предметов материального и духовного мира. Один из основных видов изобразительного искусства. Живопись подразделяется на многочисленные виды, жанры. Живопись масляная – произведение, написанное масляными красками Живопись настенная – произведение живописи, исполненное непосредственно на специально подготовленной поверхности кладки стены, потолка или свода здания. Другое название – живопись монументальная. Живопись темперная – основная техника иконописания в России. Основой темперной краски является желток куриного яйца, разбавленный квасом. Краски в процессе работы накладываются постепенно, многослойно и в определенном порядке. С XVII в. по настоящее время завершающий слой иногда исполняется масляными красками. Икона пишется на специально обработанной доске.
Отличное определение
Неполное определение ↓
Живопись
Pictores и Pictura.
Искусство Ж. у греков находилось в тесной связи со скульптурой, разделяя с нею идеальное миросозерцание и очень долгое время было в этом младенческом состоянии. До Персидских войн живописцы пользовались, кажется, одноцветной краской, которой они рисовали очертания, тени же означали штриховкой. Древнейшим местом этого искусства в Греции был, по всей вероятности, дорийский Пелопоннес, по преимуществу Коринф и Сикион; коринфянин Клеанф, говорят, первый рисовал силуэты, Ардик и Телефан усовершенствовали линейные чертежи, Клеофант изобрел одноцветную Ж. (монохромию), Киомн Клеонский первый придал движение и наклоненность своим фигурам и первый обратил внимание на драпировку фигур. До 94-й ол., когда афинянин Аполлодор ввел в употребление кисть, все искусство Ж. состояло в рисовании изображений при помощи грифеля на доске, предварительно покрытой краской; сами краски накладывались массой и не слитно посредством губки. Вообще же на картинах древнейших живописцев встречаются только 4 цвета (Plin. 35, 7, 32): белый и черный, желтый и красный. Этими только цветами пользовался даже сам Зевксис, если же кто употреблял большее число красок, подвергался опасности, усилив привлекательность, умалить высоту искусства. К произведениям этого рода искусства принадлежали частью стенные картины (преимущественно альфреско), частью же картины, рисованные на досках; первые писались на свежей штукатурке, а последние на дереве и вделывались в стены, напр., храмов. Писались картины на досках клеевыми красками; позднейшие энкаустические картины писались восковыми красками, которые растирались сухими грифелями и затем расплавлялись посредством жаровни. Век Перикла, следовательно середина и 2-я половина 5 в. до Р. X., считается временем наибольшего процветания этого искусства, наравне с процветанием всех вообще изящных искусств, служивших подспорьем Ж. К этому времени принадлежат и картины больших размеров; появились не только разрисованные залы, но и собственно картинные галереи (пинакотеки). Следует назвать Пинена, брата Фидия, и фасосца Полигиота (получившего в Афинах в 463 г. право гражданства), известных по написанной ими сообща картине «Марафонское сражение» в??????? в Афинах. Последний славился искусством рисовать женщин в просвечивающих одеждах; он же устранил заимствованную от египтян неподвижность в выражении лица тем, что стал рисовать рот несколько открытым; его картины были действительно портретами (на одной, напр., легко можно узнать Елпинику, сестру Кимона), писанными хотя с натуры, но уносившими в идеальный мир. У Павсания (10, 25) сохранилось превосходное описание одной из самых больших картин, находившихся в Лесхе (см. ?????, Лесха) в Дельфах, на которой была представлена завоеванная и дымящаяся Троя и греки у Геллеспонта, обремененные добычей и окруженные пленными, в тот момент, когда они готовятся к отплытию: «Художник вполне сумел изобразить здесь контраст между группами греков на первом плане и разорением Трои, опустошенные улицы которой видны через сломанные местами стены. Корабль Менелая стоял у берега, готовый к отплытию, близ его виднеется Елена, виновница войны, окруженная ранеными троянцами; в другой группе греческих вождей видна Кассандра; почти все хранят глубокое молчание, исключая Неоптолема, который еще преследует и убивает троянцев. На другой стороне Лесхи был изображен вход в преисподнюю, в царство мрака с Одиссеем на берегу Ахеронта, Тартаром с его страшными муками и Элисием с тенями блаженных. На первой из этих картин было нарисовано более 100 фигур, на другой более 80: к каждой фигуре, по древнему обычаю, было приписано и имя » . Кроме того, были известны как живописцы отец Полигнота Аглаофонт и внук последнего того же имени. Последнему приписывались главным образом две картины, на одной из которых был изображен Алкивиад как победитель на играх. ср. Cic. Brut. 18. Cic. de or. 3,7. Quint. 12, 10. В общем, Ж. дополняла архитектуру; ее произведения служили для украшения как частных зданий, так и галерей и храмов. В то время как пластика быстро шла вперед в своем развитии, живопись развивалась медленно и достигла верха совершенства вскоре после Пелопоннесской войны, т. е. тогда только, когда пластика после самого высокого процветания начала несколько падать. Современниками и последователями Полигнота были: Микон из Эгины, замечательными его картинами были: «Антиноя» , «Аргонавты» , «Астеропа» , «Пелий» , «Тесей» , «Акаст» и др.; он же разрисовал отчасти и??????? в Афинах, где им были изображены - битва амазонок и Марафонское сражение, особенно же ему удавались изображения лошадей; сын его; далее Онат из Эгины и Дионисий Колофонский; самостоятельно затем выступил в качестве декоративного живописца Агафарх (см. Agatharchus, Агафарх), удовлетворявший также требованиям роскоши, которая начала уже проникать в частную жизнь греков; но еще более в этом отношении выдается вышеназванный Аполлодор, именуемый скиаграфом, потому что кроме изобретения кисти ему приписывалось также и искусство в распределении света и тени. Hiс primus species exprimere instituit, говорит о нем Плиний (35, 9, 36), primusque gloriam penicillo iure contulit; neque ante eum tabula ullius ostenditur, quae teneat oculos. По его стопам следовал и ученик его Зевксис из Гераклеи в Великой Греции, живший ок. 397 г., хотя, впрочем, он принадлежал к другой школе, а именно к ионийской, склонной к нежности и пышности, в противоположность школе аттической; ему особенно хорошо удавалось изображение женского тела. Доказательством этому служит написанная им по заказу кротонцев «Елена» (была поставлена в знаменитом храме Геры Лакинии), представлявшая совершенную красоту в виде земной женщины; подобным же образом воплотил он самую высшую идею целомудренной скромности в образе Пенелопы. Разнообразных эпических композиций, как у Полигнота, нет у Зевксиса, равно как не видно на его картинах и выражения различных душевных состояний; главное его внимание было обращено на картинность, внешнюю сторону предмета, на иллюзию; по отношению к позднейшему времени ему недоставало художественного и разнообразного сопоставления красок. Об его состязании с Паррасием (см. Паррасий). Последний и Тиманф из Сикиона были его современниками; о картинах последнего, между которыми выдавалась «Жертвоприношение Ифигении» , где он изобразил Агамемнона с закрытым лицом для выражения большой печали, уже в древности было высказано мнение, что они заставляют зрителя более догадываться, чем сколько в них выражается на самом деле; фантазия зрителя дополняет недосказанное не потому только, что эти картины изображали нечто идеальное, но и потому, что в них заключается богатство мотивов. Главная заслуга сикионской школы, напротив, состояла в строго научном выполнении рисунка и в самой тщательной отчетливости его. Основателем этой школы был Евпомп Сикионский, главным же ее представителем был Памфил, который первый методически изучал искусство и применял свои теоретически-геометрические познания к рисункам; ученик его Меланфий наиболее выдавался искусным расположением и композициею картин и весьма много способствовал усовершенствованию колорита. Он причисляется, между прочим, к тем 4-м живописцам (Апеллес , Эхион , Никомах), которые употребляли только 4 цвета. Во время Александра Великого Ж. достигла самой высокой степени привлекательности и прелести, благодаря главным образом Апеллесу, уроженцу острова Коса, ученику Памфила (356-308 гг.). Он соединял в себе достоинства обеих школ, стараясь при этом еще глубже проникнуть в истинное значение Ж. и вдохнуть в свои произведения богатство и разнообразие жизни; он соединял верность природе с творческою силою, чем и заслужил особенное расположение Александра; последний особенно хвалил его картины за грацию, ?????; на первом плане у него было совершенство формы, а не идеальность содержания. В технике, как по отношению к самому рисунку, так и относительно выбора красок для эффектных сцен, он был мастером своего дела. В храме Артемиды Эфесской написано было им изображение Александра, бросающего перуны Зевса, причем поднятая рука и молния, показавшаяся на поверхности, возбуждали величайшее удивление. Он же рисовал и полководцев Александра в различных положениях, то отдельно, то группами. К образцовым его произведениям с идеальным содержанием принадлежала «Артемида» , окруженная хором из молодых женщин, приносящих жертву, и Афродита Анадиомена, выплывающая из моря; эта последняя картина, по приговору всех древних, считалась образцом грации; впрочем, нижняя часть этой картины осталась неоконченной, смерть похитила Апеллеса за работой, и ни один из последующих художников не осмеливался взяться за окончание ее. Первоначально она находилась в храме Афродиты на острове Косе, откуда Август перенес ее в Рим и велел поставить в храм причисленного к богам Цезаря. Более к сикионской школе принадлежали: Евфранор , слава которого заключалась в тонкости изображения богов и героев; Эхион , из произведений которого замечательна картина новобрачной (вольное подражание которой составляет, может быть, альдобрандиевская свадьба в Ватиканском музее в Риме) и Павсий из Сикиона, который первый, говорят, начал украшать Ж. потолки в комнатах, большею частью фигурами мальчиков, цветами и арабесками, причем главным образом славился он своими цветочными картинами (Plin. 35, 40 упоминает о прекрасной Гликерии, искусной в плетении венков, изображение которой он представил на состязание); он славился за то, что довел энкаустический способ до высокой степени развития. В это время, т. е. ок. 370-330 гг., процветал также фиванец Аристид, замечательный преимущественно своим искусством изображать битвы и завоевания городов и мастерским уменьем придавать своим картинам жизнь и выразительность, хотя распределение красок у него было не особенно удачно. На его картине, изображавшей битву македонян с персами, было помещено до 100 фигур; мастерским его произведением считалась печальная сцена при разгроме города, причем особенное внимание обращала на себя главная группа, изображавшая умирающую мать и младенца, ловящего ее грудь; но она отстраняет его из боязни, чтобы вместо молока он не сосал кровь. Еще большей славы достиг около этого времени Протоген из города Кавна в Карии, который до 50 г. жизни поддерживал свое существование самыми обыкновенными работами; но знаменитый Апеллес узнал это и, оценив его искусство, купил у него за значительную сумму денег некоторые картины, показывая этим своим согражданам неумение их ценить работы Протогена и вместе с тем стараясь возбудить в них подозрение, будто он желал их выдавать за свои собственные. Это помогло бедному человеку составить себе у сограждан имя. Над наилучшей своей картиной, где он изобразил Иалиса (см. Иалис) охотником с задыхающейся в стороне собакой, работал он 7 или даже 11 лет. Когда Деметрий Полиоркет осаждал Родос, он не мог решиться произвести нападение с той стороны, где, как он знал, находилась эта картина, и из-за этого не одержал победы. Он отправил стражу для охранения художника, мастерская которого была на самом опасном месте за городскими стенами, и даже сам лично посетил его. Эта картина во время Плиния находилась в Риме, в храме мира, но уже во время Плутарха была уничтожена огнем. Его картина «Покоящийся сатир» , которую он поместил на одной колонне, была написана им во время осады, когда кругом гремело оружие, и считалась также образцовым произведением. Главная заслуга Протогена, равно как и Апеллеса, заключалась не столько в богатстве мысли или в поэтическом содержании, сколько в очаровательно-художественном выполнении, причем иллюзия доведена было до самой высокой степени; но у Апеллеса это было следствием его природного дарования, а у Протогена это достигалось величайшим его терпением и замечательным старанием. В то время как все удивлялись в его работах прилежанию и усидчивости, в работах его современника, Никомаха, уроженца города Фив, жившего в конце 4 в. до Р. X., сына и ученика Аристодема, больше всего дивились скорости исполнения в соединении с замечательной художественностью. Им написаны были - «Похищение Прозерпины» , в Капитолии, в храме Минервы; «Богиня победы» , ехавшая на четверке, и «Скилла» в храме богини мира. Далее замечательны еще: Феон с острова Самоса, возбуждавший удивление живостью своей фантазии и живший во время македонских царей Филиппа и Александра ; ему принадлежат: «Безумный Орест» и кифаред «Фамирис» , Никий, родом из Афин (рисовал животных и битвы энкаустическим способом; многие из его картин находились в Риме; к самым лучшим принадлежала «Царство теней по Гомеру» ; хвалили в его картинах колорит, положение и округленность фигур, особенно женских), Антифил («Мальчик, раздувающий огонь» , «Мастерская для шерстяных работ» ) и Ктесилох (представил в карикатурном виде рождение Диониса из бедра Зевса). По всей вероятности, к Александрийскому времени принадлежит Аэтион (??????) с его знаменитой картиной - «Бракосочетание Александра с Роксаной» (Cic. Brut. 18, где некоторые, впрочем, читают Эхион; Lucian de merс. cond. 42. imagg. 7). С этих пор искусство начинает падать и отличается уже не изяществом и изобретательностью, а только тщательностью в отделке. Так, Пейраейк передавал кистью сцены из обыденной жизни, изображал с замечательным искусством мастерские сапожников, цирюльников, кухни, рынки и т. п., что особенно ценилось римлянами, которые уважали не столько замысловатость композиции, сколько правильность и отчетливость рисунка; таким образом, он стал лучшим мастером настоящей жанровой Ж., так называемой рипарографии. Что касается до римлян, то следует главным образом указать на их недостаток в понимании художественных произведений; даже взятие Коринфа долго не могло произвести благотворного переворота в искусстве. Очень часто встречались примеры, когда солдаты и полководцы не только не уважали, но даже уничтожали драгоценные произведения Ж. Муммий не понимал, напр., каким образом Аттал Пергамский мог так дорого ценить картину Аристида, изображавшую Вакха; полагая, что в ней скрывается какая-то тайная сила, он взял ее с собою и поместил в храм Цереры. Но вскоре затем римляне и в данном случае достаточно ясно проявили свою алчную систему колоссального скопления чужих сокровищ; они стали украшать свои жилища, столовые залы, дачи и т. п. драгоценными картинами. Поэтому-то, в общем, можно указать только на отдельные имена художников, как, напр., Тимомах из Византии, славившийся своим уменьем трогательно изображать обуздываемые страсти, как он доказал на своей картине «Неистовый Аякс» , которую Цезарь приказал поставить в Риме; жил Тимомах в последнем столетии до Р. X. Во время Августа славился Лудий. Между тем в царствование императоров переселилось в Рим много греческих живописцев, о таланте и вкусе которых можно составить себе понятие по изящным украшениям в знаменитых банях Тита. Подобным же образом развилась с целями роскоши и мозаика; указывают прежде всего на Coca Пергамского, который на полу одной комнаты составил изображение бассейна с голубями, но наилучшим произведением мозаики считалось изображение целой «Илиады» на полах великолепного корабля царя Гиерона II Сиракузского. Наши сведения об источниках и предметах древней Ж. чрезвычайно скудны. Вновь открытые остатки картин близ Афин на греческих надгробных памятниках не имеют особенно цены, многочисленные же рисунки на греческих глиняных сосудах свидетельствуют уже о некоторой ремеслености, а стенописные картины, найденные в Геркулануме и Помпеях, не принадлежат ко времени процветания этого искусства и могут рассматриваться как более или менее легкие комнатные украшения. Вообще и в Ж. древние отличались выбором и прекрасных фигур, простотою сцен и композиций и правильностью рисунка, но в применении законов перспективы в картинах больших размеров, в тенях, происходящих от известного сочетания и слияния цветов, а главным образом в поэтической глубине они далеко уступали новейшему искусству. ср. историю искусств Schnaase, Kugler´a, L?bke и др.; особенно Brunn, Geschichte der. griech. K?nstler, II, стр. 3-316 и W?rmann, die Malerei des Alterhums (в Woltmann´a Gesch. der Malerei, т. ?, 1879, стр. 32-140).
Отличное определение
Неполное определение ↓
