Назад Вперёд

Внимание! Предварительный просмотр слайдов используется исключительно в ознакомительных целях и может не давать представления о всех возможностях презентации. Если вас заинтересовала данная работа, пожалуйста, загрузите полную версию.

Урок проводится для учащихся 5-го класса во 2-й год обучения музыкальной литературе.

Цель урока: воспитание эстетической культуры учащихся через знакомство с музыкой эпохи Возрождения.

Задачи урока:

• Дать представление о роли музыки и музицирования в жизни людей эпохи Ренессанса;
• Знакомство с музыкальными инструментами, жанрами, композиторами эпохи Возрождения;
• Знакомство с музыкальными произведениями европейского Ренессанса;
• Развитие навыков элементарного слухового разбора музыки;
• Формирование понимания взаимосвязи разных видов искусств;
• Воспитание эмоционального восприятия произведений искусства;
• Развитие мышления и речи учащихся;
• Расширение кругозора.

Тип урока: урок изучения новой темы.

Оборудование урока: мультимедийная презентация, компьютер.

Музыкальный материал:

• У. Бёрд пьеса для вёрджинела «Вольта»;
• Ф. да Милано «Фантазия» №6 для лютни;
• Сцена из фильма «Елизавета»: Королева танцует вольту (видео);
• И. Альберти «Павана и гальярда» (видео);
• Английская народная песня «Зелёные рукава»;
• Дж.П. Палестрина «Месса Папы Марчелло», часть «Agnus Dei»;
• О. Лассо «Эхо»;
• Дж. ди Веноза мадригал «Moro, lasso, al mio duolo»;
• Я. Пери Сцена из оперы «Эвридика».

Ход урока

I. Организационный момент

II. Актуализация знаний

На прошлом уроке мы с вами говорили о культуре и живописи эпохи Возрождения.

– Как ещё называют эту эпоху («Возрождение» по-французски)?
– Какие века охватывает Возрождение? Какую эпоху оно сменило?

– Откуда такое название эпохи? Что хотели «возродить»?

– В какой стране Возрождение началось раньше, чем в других?

– Какой итальянский город называют «колыбелью эпохи Возрождения»? Почему?

– Какие великие художники жили во Флоренции? Вспомните их работы.

– Чем отличаются их творения от средневекового искусства?

III. Изучение новой темы

Сегодня мы с вами опять отправляемся в эпоху Ренессанса. Мы узнаем, какой была музыка в это время. Познакомимся с музыкальными инструментами эпохи Возрождения, увидим их и услышим их аутентичное звучание. А так же нас ждёт встреча с выдающимися композиторами эпохи Возрождения и их шедеврами.

IV. Работа с презентацией

Слайд 1. Титульный лист.

Слайд 2. Тема нашего урока «Музыка эпохи Возрождения». Временные рамки – XIV–XVI века.

Слайд 3. Эпиграф урока. Как вы понимаете эти слова?

… Нет на земле живого существа
Столь жёсткого, крутого, адски-злого,
Чтоб не могла хотя на час один
В нем музыка свершить переворота.
(Уильям Шекспир)

Слайд 4. В эпоху Возрождения возрастает роль искусства в культурной жизни общества. Художественная образованность признаётся важной стороной развития знатного человека, условием хорошего воспитания.

Ослабляется церковный контроль над обществом, музыканты получают бо́льшую свободу. Все ярче проявляется в сочинениях личность автора, творческая индивидуальность. В эпоху Возрождения впервые появляется само понятие «композитор ».

Очень важным для развития музыки стало изобретение нотопечатания в конце XV века. В 1501 году итальянский издатель Оттавиано Петруччи опубликовал первый сборник для домашнего музицирования. Новые сочинения издавались и распространялись очень быстро. Теперь купить себе ноты мог любой горожанин среднего достатка. В результате, городское музицирование начинает бурно развиваться, охватывая всё большее количество людей.

Слайд 5. Музыкальные инструменты эпохи Возрождения. Духовые, струнные, клавишные.

Слайд 6. Лютня – самый любимый инструмент эпохи Возрождения. Относится к струнным щипковым инструментам. Вначале на лютне играли плектром, но к XV веку стали играть пальцами.

Слайд 7. Корпус её похож на разрезанную пополам грушу. У лютни короткий гриф с ладами, согнутый под прямым углом.

Слайд 8. Лютня произошла от арабского инструмента под названием Аль-уд (по-арабски «дерево»). В VIII веке уд проник в Европу из Северной Африки при завоевания арабами Испании и прижился при дворе многих испанских вельмож. Со временем европейцы добавили к уду лады (деления на грифе) и назвали его “лютня”.

Слайд 9. На лютне играли и мужчины, и женщины.

Слайд 10. Лютня была компактной, лёгкой, её везде можно было брать с собой.

Слайд 11. Лютневая музыка записывалась не нотами, а с помощью табулатуры. Посмотрите: лютневая табулатура состоит из 6 линеек, обозначающих струны. Цифрами обозначены лады, длительности – сверху.

Слайд 12. Струнные смычковые инструменты . Если на лютне играли люди разных сословий, то инструмент из семейства виол мог себе позволить только очень богатый человек. Виолы стоили дорого, их мастерили из ценных пород дерева, украшали изящными рисунками и драгоценностями. Виолы были разного размера. На этой картине ангелы играют на самых популярных разновидностях виол – да гамба и да брачча.

Слайд 13. Виола по-итальянски – «фиалка». Звук виолы был очень приятным: мягким, нежным и негромким.

Слайды 14, 15. Название виолы да брачча переводится с итальянского языка «ручная, плечевая». Так называли небольшие виолы, которые при игре держали у плеча.

Слайд 16. Виола да гамба – «ножная». Она была крупного размера, её приходилось держать между коленями или класть при игре на бедро. Играли на таких виолах обычно мужчины.

Слайд 17. А вы заметили, на какие классические инструменты очень похожи виолы? На скрипки, виолончели. Давайте сравним виолу да гамба с виолончелью.

Звучание виол мы услышим чуть позже.

Слайд 18. Вёрджинел . Клавишный инструмент прямоугольной формы, обычно без ножек. По принципу устройства был одним из предшественников фортепиано. Но по качеству звука скорее приближался к арфе и лютне. Его тембр отличался мягкостью и нежностью.

Слайд 19. Кто знает, что значит английское словоvirgin ? Дева, девушка. Догадайтесь, почему так назвали этот инструмент – «девичий»? Чаще всего на вёрджинеле играли молодые девицы благородного происхождения. Известно, что даже королева Англии Елизавета I очень любила вёрджинел и хорошо на нём играла.

Слайд 20. Уильям Бёрд – крупнейший английский композитор, органист и клавесинист времени Елизаветы. Родился в 1543 г., умер в 1623 г. Служил придворным органистом. Сочинил много духовных произведений, мадригалы и пьесы для вёрджинела.

Слушаем: У.Бёрд пьеса для вёрджинела «Вольта»

Слайд 21- 24. Художники эпохи Возрождения часто изображали на своих полотнах музицирующих ангелов. Почему? Что это означает? Зачем ангелам музыка? А людям?

Слайд 25. Посмотрите, какая большая компания музыкантов. На чём они играют? Что они чувствуют? Им хорошо вместе? Подходят слова У.Шекспира к этой картине? Какое ключевое слово в этих стихах? Единение, согласие.

Прислушайся, как дружественно струны
Вступают в строй и голос подают, –
Как будто мать, отец и отрок юный
В счастливом единении поют.
Нам говорит согласье струн в концерте,
Что одинокий путь подобен смерти.

Слайд 26. Инструментальные жанры эпохи Возрождения делились на 3 типа: переложения вокальных произведений, виртуозные пьесы импровизационного склада (ричеркар, прелюдия, фантазия), танцевальные пьесы (павана, гальярда, вольта, мореска, сальтарелла).

Слайд 27. Франческо да Милано – прославленный итальянский лютнист и композитор XVI века, которого современники звали «Божественным». Ему принадлежат многочисленные пьесы для лютни, объединённые в три сборника.

Слушаем: Ф. да Милано «Фантазия» для лютни

Слайд 28. Танцы эпохи Возрождения . В эпоху Возрождения изменяется само отношение к танцу. Из греховного, недостойного занятия танец превращается в обязательную принадлежность светской жизни и становится одним из самых необходимых навыков благородного человека. Балы прочно входят в быт европейской аристократии. Какие же танцы были в моде?

Слайд 29. Вольта – Популярный танец XVI века итальянского происхождения. Название вольты происходит от итальянского слова voltare, что значит "поворот". Темп вольты быстрый, размер трехдольный. Основное движение танца: кавалер резко высоко поднимает и поворачивает в воздухе танцующую с ним даму. Причём, движение это должно быть выполнено чётко и изящно. И только тренированные мужчины могли с этим танцем справиться.

Смотрим: фрагмент видеофильма «Елизавета»

Слайд 30. Павана – торжественный медленный танец испанского происхождения. Название паваны происходит от латинского pavo - павлин. Размер паваны – двухдольный, темп медленный. Танцевали ее, чтобы продемонстрировать окружающим своё величие и роскошный костюм. Народ и буржуазия этот танец не исполняли.

Слайд 31. Гальярда (с итальянского языка – веселая, бодрая) – подвижный танец. В характере гальярды сохранилась память о простонародном происхождении танца. Ей свойственны прыжки и резкие движения.

Павана и гальярда часто исполнялись друг за другом, составляя своего рода сюиту.

Сейчас вы увидите фрагмент концерта ансамбля старинной музыки «Гесперион XXI». Его руководитель – Жорди Саваль – испанский виолончелист, гамбист и дирижёр, один из самых авторитетных на сегодня музыкантов, исполняющих старинную музыку аутентично (так как она звучала во времена своего создания).

Слайд 32. Смотрим: И.Альберти «Павана и гальярда».

Исполняет ансамбль старинной музыки «Hespèrion XXI», рук. Ж.Саваль.

Слайд 33. Вокальные жанры эпохи Возрождения делились на церковные и светские. Что значит «светские»? В церкви звучали месса и мотет. Вне церкви – качча, баллата, фроттола, вилланелла, шансо́н, мадригал.

Слайд 34. Церковное пение достигает вершины своего развития. Это время полифонии «строгого письма».

Самым выдающимся композитором-полифонистом эпохи Возрождения был итальянец Джованни Пьерлуиджи да Палестрина . Прозвище свое – Палестрина – получил по названию города, в котором родился. Он работал в Ватикане, занимал высокие музыкальные должности при папском престоле.

Месса – музыкальное произведение, состоящее из молитв на латинском языке, звучащее во время службы в католической церкви.

Слушаем: Дж. П. да Палестрина «Месса Папы Марчелло», часть «Agnus Dei»

Слайд 35. Светские песни. Английская баллада «Зелёные рукава» – очень популярна и в наши дни. Слова этой песни приписывают английскому королю Генриху VIII. Он адресовал эти стихи своей возлюбленной Анне Болейн, ставшей впоследствии его второй женой. А вы знаете, о чём эта песня?

Слайд 36. Слова песни «Зелёные рукава» в переводе С.Я.Маршака.

Слушаем: Английская баллада «Зелёные рукава»

Слайд 37. Орландо Лассо – один из самых выдающихся представителей нидерландской полифонической школы. Родился в Бельгии, жил в Италии, Англии и Франции. Последние 37 лет жизни, когда имя его было известно уже во всей Европе, руководил придворной капеллой в Мюнхене. Он создал более 2000 вокальных произведений как культового, так и светского характера.

Слайд 38. Шансон «Эхо» написан для двух четырёхголосных хора. Первый хор задаёт вопросы, второй хор отвечает ему словно эхо.

Слушаем: О.Лассо Шансон «Эхо»

Слайд 39. Мадригал (от итальянского слова madre – «мать») - песня на родном, материнском языке. Мадригал – многоголосная (для 4 или 5 голосов) песня лирического содержания в возвышенном характере. Расцвет этого вокального жанра наступает в XVI веке.

Слайд 40. Джезуальдо ди Веноза – итальянский композитор XVI века, один из крупнейших мастеров светского мадригала. Он был загадочной личностью. Богатым князем, правителем города Веноза. Уличив красавицу-жену в измене, Джезуальдо в порыве ревности лишил её жизни. Периодически впадал в меланхолию и скрывался от всех в своём замке. Умер в 47 лет, в помутившемся рассудке…

При жизни опубликовал 6 сборников пятиголосных мадригалов. Особенность стиля Дж. ди Веноза - уникальная для его времени насыщенность музыки хроматизмами, красочными сопоставлениями диссонирующих аккордов. Так Джезуальдо претворил в музыке свою ужасную душевную боль и муки совести.

Современники его музыку не понимали, считали ужасной, резкой. Музыканты XX века его оценили, про Дж. ди Веноза снят фильм, пишут книги, а композитор А. Шнитке посвятил ему оперу «Джезуальдо»

Слайд 41. Мадригал «Moro, lasso, al mio duolo» – одно из последних творений Дж. ди Веноза. Ему принадлежат и музыка, и текст:

Ах! От скорби умираю,
Та, что сулила счастье,
Меня своею убивает властью!
О, скорби злая круговерть!
Та, что сулила жизнь,
Дала мне смерть.

Слушаем: Дж. ди Веноза «Moro, lasso, al mio duolo»

Слайд 42. В конце XVI века во Флоренции возникла Флорентийская камерата – кружок музыкантов и поэтов, которые хотели возродить древнегреческую трагедию с присущей ей особой манерой произнесения текста (нечто среднее между речью и пением).

Слайд 43. Рождение оперы. В результате этих экспериментов родилась опера. 6 октября 1600 года во Флоренции состоялась премьера первой из сохранившихся до наших дней оперы “Эвридика”. Её автор – композитор и певец Якопо Пери.

Слушаем: Я. Пери Сцена из оперы «Эвридика»

V. Итоги урока

– Что нового вы узнали сегодня про эпоху Возрождения?

– Звучание какого инструмента вам понравилось? Чем?

– На какие современные инструменты похожи лютня, виола, вёрджинал?

– Что пели люди в эпоху Возрождения? Где? Как?

– Почему художники Ренессанса так часто изображали музыкантов?

– Какая музыка, звучавшая сегодня на уроке, вам понравилась, запомнилась?

VI. Домашнее задание (на выбор):

• Петь по нотам песню «Зелёные рукава», желающие могут подобрать к ней аккомпанемент;
• Найти музыкальные картины художников эпохи Возрождения и рассказать о них.

Возрождение (франц. Ренессанс ) – эпоха в культурно-исторической жизни Западной Европы XV-XVI вв. (в Италии – XIV-XVI вв.). Это период возникновения и развития капиталистических отношений, образования наций, языков, национальных культур. Возрождение – время великих географических открытий, изобретения книгопечатания, развития науки.

Своё название эпоха получила в связи с возрождением интереса к античному искусству, ставшему идеалом для деятелей культуры того времени. Композиторы и музыкальные теоретики – Й. Тинкторис, Дж. Царлино и др. – изучали древнегреческие музыкальные трактаты; в музыкальных произведениях Жоскена Депре, которого сравнивают с Микеланджело, «возросло утерянное совершенство древних греков»; появившаяся в конце 16 – начале 17 в. опера ориентирована на закономерности античной драмы.

Основой искусства Возрождения был гуманизм (от лат. «humanus» - человечный, человеколюбивый) – воззрение, которое провозглашает человека высшей ценностью, отстаивает право человека на собственную оценку явлений действительности, выдвигает требование научного познания и адекватного отражения в искусстве явлений действительности. Идеологи Возрождения противопоставили богословию Средневековья новый идеал человека, проникнутого земными чувствами и интересами. Вместе с тем, в искусстве Возрождения удерживались черты предшествующей эпохи (будучи светским по сути, оно использовало образы средневекового искусства).

Эпоха Возрождения была и временем широких антифеодальных и антикатолических религиозных движений (гуситство в Чехии, лютеранство в Германии, кальвинизм во Франции). Все эти религиозные движения объединяются общим понятием «протестантизм » (или «реформация »).

В эпоху Возрождения искусство (в т.ч. и музыкальное) пользовалось огромным общественным авторитетом и получило чрезвычайно широкое распространение. Небывалый расцвет переживает изобразительное искусство (Л. да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Ян Ван Эйк, П. Брейгель и др.), архитектура (Ф. Брунеллески, А. Палладио), литература (Данте, Ф. Петрарка, Ф. Рабле, М. Сервантес, У. Шекспир), музыка.

Характерные черты музыкальной культуры Возрождения:

бурное развитие светской музыки (широкое распространение светских жанров: мадригалов, фроттол, вилланелл, французских «шансон», английских и немецких многоголосных песен), её натиск на старую церковную музыкальную культуру, существовавшую параллельно светской;

реалистические тенденции в музыке: новые сюжеты, образы, соответствующие гуманистическим воззрениям и, как следствие – новые средства музыкальной выразительности;

народная мелодика в качестве ведущего начала музыкального произведения. Народные песни применяются в качестве cantus firmus (главная, неизменная мелодия в теноре в многоголосных произведениях) и в музыке полифонического склада (в т.ч. церковной). Мелодика становится более плавной, гибкой, напевной, т.к. является непосредственной выразительницей человеческих переживаний;

мощное развитие полифонической музыки, в т.ч. и «строгого стиля » (иначе – «классическая вокальная полифония », т.к. ориентирована на вокально-хоровое исполнительство). Строгий стиль предполагает обязательное следование установленным правилам (нормы строгого стиля были сформулированы итальянцем Дж. Царлино). Мастера строгого стиля владели техникой контрапункта, имитации и канона. Строгое письмо опиралось на систему диатонических церковных ладов. В гармонии господствуют консонансы, употребление диссонансов строго ограничивалось специальными правилами. Складываются мажорный и минорный лады и тактовая система. Тематической основой был григорианский хорал, однако использовались и светские мелодии. Понятие строгого стиля не охватывает всю полифоническую музыку эпохи Возрождения. Оно ориентировано главным образом на полифонию Палестрины и О. Лассо;

формирование нового типа музыканта – профессионала , получавшего всестороннее специальное музыкальное образование. Впервые появляется понятие «композитор»;

формирование национальных музыкальных школ (английская, нидерландская, итальянская, немецкая и др.);

появление первых исполнителей на лютне, виоле, скрипке, клавесине, органе; расцвет любительского музицирования;

появление нотопечатания.

Основные музыкальные жанры Возрождения

Крупнейшие музыкальные теоретики Возрождения:

Иоганн Тинкторис (1446 - 1511),

Глареан (1488 - 1563),

Джозеффо Царлино (1517 - 1590).

Музыка в период XV-XVII веков.

В средние века музыка была прерогативой церкви, поэтому большинство музыкальных произведений были священными, в их основе лежали церковные песнопения (григорианский хорал), которые были частью вероисповедания с самого начала христианства. В начале VI века культовые напевы, при непосредственном участии папы Григория I, были окончательно канонизированы. Григорианский хорал исполнялся профессиональными певцами. После освоения церковной музыкой многоголосия григорианский хорал остался тематической основой полифонических культовых произведений (месс, мотетов и др.).

За Средневековьем последовал Ренессанс, который был для музыкантов эрой открытий, новшеств и исследований, эпохой Возрождения всех слоёв культурного и научного проявления жизни от музыки и живописи до астрономии и математики.

Хотя, в основном, музыка оставалася религиозной, но ослабление церковного контроля над обществом открыло композиторам и исполнителям большую свободу в проявлении своих талантов.

С изобретением печатного станка появилась возможность печатать и распространять ноты, с этого момента и начинается то, что мы называем классической музыкой.

В этот период появились новые музыкальные инструменты. Самыми популярными стали инструменты, на которых любителям музыки игра давалась легко и просто, не требуя специальных навыков.

Именно в это время появилась виола - предшественница скрипки. Благодаря ладам (деревянные полосы поперек грифа) играть на ней было несложно, а звук её был тихим, нежным и хорошо звучал в небольших залах.

Также были популярны и духовые инструменты - блок-флейта, флейта и рожок. Самая сложная музыка писалась для только что созданных клавесина, верджинела (английский клавесин, отличающийся небольшими размерами) и органа. При этом музыканты не забывали слагать и музыку попроще, не требовавшую высоких исполнительских навыков. На это же время пришлись перемены в нотном письме: на смену тяжелым деревянным печатным блокам пришли изобретенные итальянцем Оттавиано Петруччи передвижные металлические литеры. Опубликованные музыкальные произведения быстро раскупались, все больше людей стали приобщаться к музыке.

Смотреть обязательно: Основные события в истории классической музыки в Италии.

Реферат по учебной дисциплине "Культурология"

на тему: "Музыка эпохи Возрождения".

План

1. Введение.

2. Инструменты эпохи Возрождения.

3. Школы и композиторы эпохи Ренессанса.

5. Заключение.

6. Список литературы.

1. Введение.

Музыкальное искусство эпохи Возрождения - это, прежде всего, новаторское искусство. В первую очередь, этот новаторский характер определяется прорывом светской песенной и танцевальной культуры. В каждой стране песенные и танцевальные жанры базировались на народных истоках. Будь то испанская вильянсика, английская баллада, итальянская фроттола, французский шансон или немецкая лид - все они были направлены на то, чтобы передать сложный внутренний мир человеческой личности, рассказать людям о радостях жизни. В этих песнях можно почувствовать всю специфику ощущения человека Возрождения.

Торжеством светской музыкальной культуры стал мадригал - песня, исполнявшаяся на итальянском языке. Именно язык подчёркивал отход этого жанра от церковной музыки, которая исполнялась на латинском языке. Эволюция мадригала являет собой интересный процесс, который из подобия простой пастушьей песни превратился в полноценное музыкальное произведение, в нем присутствовала и вокальная, и инструментальная линия. Особого внимания заслуживает текст к мадригалам, авторами которых являлись выдающиеся поэты эпохи Возрождения, в том числе, и Ф. Петрарка. Не было развитой в музыкальном плане страны в Европе, где не писались бы мадригалы.

Второй чертой специфики музыкальной культуры данного периода можно назвать расцвет полифонии. Композиторы, писавшие полифонические произведения, способствовали эволюции крупнейшего ренессансного жанра - мессы. Итогом этого прогресса стала месса, имеющая строго продуманную циклическую форму. На смену частей в мессе влиял церковный календарь: месса имела обязательный духовный смысл, связанный с тем или иным событием. Но каковым бы ни был церковный календарь, месса состояла из обязательных частей.

Третья черта - ощутимо увеличившееся значение инструментальной музыки, несмотря на то, что доминирующая роль принадлежала вокальным жанрам. Теперь инструментальная музыка стала профессиональной и имела определённую направленность на тот или иной инструмент (группу инструментов). Композиторы писали сочинения для лютни, клавишных инструментов, виолы и её разновидностей.

Четвёртая черта - появление и утверждение национальных композиторских школ. Каждая из них имела свою специфику, выдвинула ряд выдающихся представителей, имела неповторимые особенности, связанные с народным музыкальным искусством страны.

Пятая черта - стремительная эволюция теории музыки. Учёные стремились разработать понятия и законы важнейших музыкальных элементов - мелодии, гармонии, полифонии. Итак, эпоха Возрождения, будучи поворотным этапом в развитии европейской культуры, оказалась и для музыки временем коренных перемен.

2. Инструменты эпохи Возрождения .

Развитие жанров в эпоху Возрождения способствовало и расширению инструментария. В крупных странах Европы - Италии, Голландии, Англии, Испании, Франции спешно открывались мастерские по производству музыкальных инструментов, и дела у них шли очень хорошо.

Королём музыкальных инструментов долгое время был орган, который доминировал и в концертной, и в духовной сфере. Но с течением времени ситуация стала меняться, и на аванс сцену вышли струнные и струнные щипковые инструменты. Это виола (прародительница современной скрипки и альта) и лютня - инструмент, позаимствованный из мусульманской культуры. Для этих инструментов писалось рекордное количество произведений. Лютня являлась прекрасным аккомпанирующим инструментом для вокального исполнительства.

Популярными являлись и другие инструменты. Среди деревянных духовых инструментов были бомбарда и шалмей. Бомбарда - басовый инструмент, предвосхитивший современный фагот. Характеризуется грубым тембром, не располагающим к художественной выразительности (в отличие от фагота).

Шалмей отличался крайне громким звуком и очень широким диапазоном, чем не мог похвастаться бомбарда. Без шалмея нельзя было представить себе церемониальных мероприятий или танцев. В последующую эпоху барокко шалмей оказался надолго забытым.

Группа струнных инструментов, помимо вышеупомянутой виолы, включала в себя: виола да гамба, виола да браччо и другие разновидности этого инструмента.

Игра на виоле да гамба подразумевала под собой поддержку ногами, отсюда и проистекает её название (ит. gamba - нога). Многие композиторы эпохи Возрождения писали свои произведения с расчётом на неё как на сольный инструмент. Соответственно, виола да браччо - инструмент, который держат в руках. Обе виолы широко использовались и как сольные, и как инструменты, участвующие в ансамблях и оркестрах.

Широко распространёнными являлись клавишные инструменты: клавесин (относится и к струнным), клавикорд, спинет (также принадлежит к группе клавишных струнных), вёрджинел.

Клавесин обладает очень приятным и специфичным тембром, но его существенным недостатком является невозможность динамического изменения звука. Этот инструмент оказался более реализованным в эпоху барокко, нежели в ренессансную эпоху.

Спинет является разновидностью клавесина. Его родина, как и многих других музыкальных инструментов - Италия. Этот инструмент был скорее домашним, чем концертным. Многие богатые дамы имели у себя дома спинет и пели под его аккомпанемент, либо музицировали на нём.

Относится к разновидности клавесина и вёрджинел. В названии этого инструмента кроется ключ к его особенностям звучания. Происходящее от лат. Virginia (Дева), название намекало на его чистый и ангельский звук.

Клавикорд, будучи одним из самых давних музыкальных инструментов в истории музыки, функционировал и в эпоху Возрождения. Главной особенностью клавикорда можно назвать возможность извлечения на нём вибрато. Клавикорд был в почёте, как у профессиональных музыкантов, так и любителей. Музыку, исполняемую на клавишных инструментах, называли клавирной, и большой вклад в её развитие внесли англичане.

Таким образом, круг инструментов был достаточно богат и разнообразен, что говорило о полноценном жанровом развитии музыки и композиторского искусства. Следует также отметить, что у каждого инструмента были свои виртуозы-исполнители.

3. Школы и композиторы эпохи Ренессанса.

Существовало несколько крупных композиторских школ эпохи Возрождения, которые формировались в наиболее развитых странах. Это шесть основных школ: Итальянская, Нидерландская, Английская, Французская, Немецкая и Испанская. Лидировала среди них Нидерландская школа. Она примечательна тем, что в ней сложилась система профессионального музыкального обучения. Будущих композиторов обучали в метризах - школы при католических храмах. Нидерландская музыка во многом обязана метризам, т.к. выпускники этих заведений стали выдающимися композиторами.

Композиторы этой школы тяготели к ряду жанров. В первую очередь, это месса (многочастная полифоническая), песни и мотеты. Предпочтение отдавалось многоголосным песням. Мотеты сочинялись для ансамблей. Обращались они и к таким жанрам, как шансон и мадригал - своеобразный символ победы светской музыки над духовной.

Заслугой Нидерландской школы является обобщение музыкального наследия, касающегося многоголосного хорового пения. Кроме того, здесь были выработаны и установлены классические жанры, упомянутые выше, установлены законы полифонии.

Нидерландская школа может гордиться многими композиторами. Среди них Й. Окегем, Г. Дюфаи, Ж. Депре, Я. Обрехт, Я.П. Свелинг и другие. Каждый из них не только писал великолепную музыку, но и внёс свой вклад в развитие теории музыкального искусства. Г. Дюфаи положил начало национальной полифонии; Я. Обрехт обогатил музыку народными мелодиями; Я.П. Свелинг создал школу органной игры.

Итальянская школа также справедливо считалась очень сильной и в то же время многоплановой, т.к. состояла из ряда национальных школ, среди которых выделяются две: римская и венецианская.

Главой римской школы являлся Дж. П. Палестрина, занимавший должность в Сикстинской капелле. Его деятельность определила духовную направленность музыки, им написанную. Месса оказывается главным жанром, к которому он обращается. Впрочем, сочинял он произведения и в других распространённых жанрах того времени. Дж. П. Палестрина сумел отстоять многоголосие в церковной музыке, от которого хотели отказаться, желая заменить его унисонным пением (григорианский хорал). Другими яркими композиторами этой школы были Ф. Анерио, Дж. Яннаккони и другие. Римская школа была ориентирована на инструментальную церковную музыку.

Венецианская школа сформировалась благодаря деятельности А. Вилларта - нидерландского композитора. В неё входили также такие композиторы, как К. Монтеверди, К. Меруло, Дж. Бассано. Эти и другие представители охотно занимались не только инструментальной, но и вокальной музыкой. Склонные к экспериментам, они создали новый музыкальный стиль - кончертато. Композиторская школа Венеции подготовила почву для важнейшего этапа в музыке - барокко.

Английская композиторская школа базировалась на вокальной полифонии, к чему располагали музыкальные традиции страны. Англия стала первой страной, где появились бакалавры искусств. В эпоху Возрождения ряд композиторов начал противопоставлять церковному вокальному искусству светское музыкальное искусство. Одним из самых любимых композиторских жанров был мадригал. Отметим, что музыкальное искусство развивалось в Англии эпохи Возрождения не столь многообразно и ярко, как в других странах Европы.

Французская школа - одна из самых своеобразных. Здесь искусство песни развивалось по своим законам и получило название «chanson». Разумеется, его нельзя истолковывать в современном смысле. Тогда это было многоголосное произведение, не связанное с церковью и библейскими темами. Но уже тогда в шансоне были ощутимы связь с народной музыкой и ритмами танца.

Особенно ярко в этом жанре проявил себя композитор К. Жанекен, написавший большое количество произведений в этом жанре. Обращался он и к другим жанрам - мессам, мотетам и т.д.

Профессиональные кадры в Германии в эпоху Возрождения ковались в капеллах, которые обычно существовали при соборах и дворе; а также из творческих объединений, которые складывались среди бюргеров. Немецкие композиторы проявили себя, как талантливые полифонисты и среди них было немало крупных мастеров, тем не менее, они не могли догнать ни Нидерланды, ни Италию в этом отношении. Слава немецкой школы была ещё впереди.

Замечательным явлением немецкого музыкального искусства стал мейстерзанг, сменивший миннезанг. Так называлась деятельность профессиональных поэтов-певцов, которые произрастали из бюргерской среды. Тем не менее, несмотря на то, что они были профессионалами, эстетическим ориентиром для них служило творчество их предшественников - миннезингеров.

В Испании музыкальное искусство даже в период Ренессанса не смогло освободиться от диктаторства католической церкви. Все видные композиторы Испании находились на церковной службе, и их произведения, даже полифонические, были скованы сложившимися традициями. В то же время они не могли не воспринять новшества, привнесённые Нидерландами и Италией, поэтому попытки выйти за рамки в творчестве крупных композиторов всё равно ощущаются.

В ренессансной Испании были развиты такие жанры, как духовная полифония, песенный жанр (вильянсикос), мотеты. Испанская музыка отличалась своеобразной мелодикой, и вильянсикос - яркий тому пример. В целом же, каждая из школ, несмотря на примерно общие тенденции в развитии, имела свою национальную окраску.

4. Музыканты и их произведения в эпоху Возрождения.

Мотет, мадригал и месса были тремя самыми важными жанрами в период Ренессанса. Поэтому имена наиболее крупных музыкантов связаны именно с ними. В итальянском музыкальном искусстве громко звучит имя Джованни Пьерлуиджи да Палестрины. Всю жизнь проработавший на поприще церковной музыки, он своим творчеством способствовал утверждению такого стиля, как a capella, распространённого и сейчас. Среди известнейших произведений Дж. Палестрино - «Месса папы Марчелло». Несмотря на свою сложность, это сочинение наполнено ясностью, чистотой, стройностью, что, собственно, и является основными чертами стиля композитора.

Другой итальянец - Джезуальдо ди Веноза - также чрезвычайно плодовитый композитор. Число написанных им мадригалов составило шесть книг. Автор стремился при помощи музыки исследовать непростой внутренний мир человека, отразить его чувства. Очень многие мадригалы Дж. ди Венозы носят трагический характер. Выразительность и утончённость - вот основные черты музыки этого композитора.

Орландо ди Лассо (Нидерланды) - ещё один величайший представитель эпохи Возрождения. Он написал множество произведений, но одной из самых ярких его удач является мадригал «Эхо», в котором имитируются акустические эффекты. В своей музыке О. ди Лассо сумел передать танцевальные, песенные и даже бытовые особенности своей эпохи.

Ярчайшим представителем английской музыки был Джон Данстейбл, который внёс огромный вклад в развитие национальной полифонии. Он является автором ряда месс, мотетов и песен, ставших популярными. Не все произведения, написанные им, сохранились, но те, которые остались, свидетельствуют о нём как об изобретательном и плодовитом композиторе.

Английская вокальная музыка может гордиться именами Томаса Морли и Джона Дауленда. Творчество последнего приводило в восторг самого У. Шекспира. Предполагается, что именно Дж. Дауленд является автором музыки к пьесам великого драматурга. Композитор сочинял музыку для лютни и голоса; предпочитал трагическое направление в творчестве, но, тем не менее, одна его юмористическая песня «Прекрасные уловки леди» сделалась очень популярной.

Т. Морли (его учеником был знаменитый Уильям Бёрд) всем своим творчеством способствовал продвижению и популяризации мадригалов итальянских композиторов. Было вполне естественным, что он и сам сочинял музыку в этом жанре. Одна из самых знаменитых песен - «Возлюбленный и его девушка - подкупает зрителя своей простотой и искренностью.

Славу испанской музыке принёс Кристобаль де Моралес. В его творчестве полноценно соединились национальные испанские традиции и достижения лучших композиторов Италии и Нидерландов. На основе этого синтеза он создал множество месс и мотетов.

Принадлежит к числу видных испанских композиторов и Томас Луис де Виктория, который не только сочинял музыку, но владел также искусством пения и игрой на органе. Он писал полифонические произведения духовной направленности.

Среди множества французских мастеров выделяется имя Клемана Жанекена, который поднял на должный уровень шансон. Его песни - это широкое разнообразие тем, мелодий, музыкальных мыслей, а также звуковых имитаций. Название каждой песни он стремился передать через музыку.

Если говорить о немецкой музыке, то здесь в первую очередь выделяется органист и композитор Генрих Шютц. Он был первым среди композиторов Германии, кто явился автором оперы. Это было сочинение на мифологический сюжет; опера называлась «Дафна». Г. Шютц написал и оперу-балет, в основе которой тоже лежал древнегреческий сюжет - «Орфей и Эвридика». Его перу принадлежит множество других произведений в более мелких жанрах.

Велика роль в развитии немецкой музыки христианского богослова Мартина Лютера, способствующего реформе в этой области. В связи с его желанием привлечь к службе как можно больше прихожан, он сформировал новые требования к вокальной духовной музыке. Так на свет родился протестантский хорал, ставший ведущим жанром в музыкальном искусстве Германии эпохи Ренессанса (здесь, конечно, не имеются в виду светские жанры).

Таким образом, музыкальное наследие эпохи Возрождения чрезвычайно богато, как событиями, жанрами, инструментами, произведениями, так и именами.

5. Заключение.

Итак, всё вышесказанное позволяет сделать ряд выводов. Наиболее сильными странами в музыкальном плане оказались Нидерланды (в начале) и Италия (в конце). Именно там зарождались традиции, влиявшие на музыкальный процесс в других странах.

Расширились музыкальные границы. Это касалось, как самих музыкантов, которые перемещались по Европе и могли жить и работать в разных странах, в разных, порой контрастных жанрах, так и самой музыки. Она перестала быть исключительно церковной (речь идёт о профессиональном искусстве), поскольку народное искусство живо во все времена.

Выйдя за пределы духовной сферы, музыка проникла в бытовую жизнь, стала доступной широким слоям общества. Её язык стал доступен людям. Вместе с тем, музыка стала искусством, в котором чувствовалась индивидуальность её создателей.

Как и в античные времена, музыка стала неотъемлемой частью праздников и торжественных мероприятий, которые вновь завоевали своё место в досуге европейцев после мрачных времён Средневековья.

Общество эпохи Ренессанса заполнило свою жизнь чередой разнообразных праздников, на которых веселились, пели и танцевали, разыгрывали театральные представления. И везде музыка была непременным и незаменимым атрибутом.

Конечно, нельзя утверждать, что музыка стала исключительно светской. Это было бы в корне неверно. По-прежнему, церковной музыке уделялось самое пристальное внимание. Композиторы писали грандиозные многоголосные вокально-инструментальные произведения, в которых человеческие голоса поддерживались партиями духовых инструментов. И хотя в некоторых странах (например, в Германии) шла тенденция к упрощению церковной музыки, в большинстве своём духовная музыка осталась величественной и сложной.

В эпоху Ренессанса музыкальная культура подверглась значительному обновлению. Это касалось и инструментария, и новых завоеваний в теоретических дисциплинах, и развития нотопечатания.

Но самое главное достижение эпохи Ренессанса во всех сферах деятельности - это утверждение человеческой личности, интерес к нему, раскрытие его богатого внутреннего мира всеми доступными художественными средствами.

6. Список литературы.

1. Алексеев А.Д. История фортепианного искусства. В двух частях/А.Д. Алексеев. - М.: Музыка, 1988. - 415 с.

2. Евдокимова Ю.К., Симакова Н.А. Музыка эпохи Возрождения. Cantus prius factus и работа с ним/Ю.К. Евдокимова, Н.А. Симакова. - М.: Музыка, 1982. - 240 с.

3. Ливанова Т.Н. История западноевропейской музыки до 1789 года: В 2 кн. Изд. 2-е, перераб. Кн. 1: От античности к XVIII веку/Т.Н. Ливанова. - М.: Музыка, 1986. - 378 с.

4. Розеншильд К.К. История зарубежной музыки/К.К. Розеншильд. - М.: Музыка, 1978. - 445 с.

Реферат: Музыка эпохи Возрождения

ФЕДЕРАЛЬНОЕ АГЕНТСТВО ПО ОБРАЗОВАНИЮ

ГОУ ВПО «Марийский государственный университет»

Факультет начальных классов

Специальность: 050708

«Педагогика и методика начального обучения»

Кафедра: «Педагогики начального образования»

Контрольная работа

«Музыка эпохи Возрождения»

Йошкар-Ола 2010

Эпоха Возрождения (Ренессанса) является временем расцвета всех видов искусств и обращения их деятелей к античным традициям и формам.

Ренессанс имеет неравномерные историко-хронологические границы в разных странах Европы. В Италии он наступает в XIV веке, в Нидерландах начинается в XV столетии, а во Франции, Германии и Англии его признаки наиболее отчетливо проявляются в XVI веке. Вместе с тем развитие связей между различными творческими школами, обмен опытом между музыкантами, переезжавшими из страны в страну, работавшими в разных капеллах, становится знамением времени и позволяет говорить о тенденциях, общих для всей эпохи.

Художественная культура Ренессанса - это личностное начало с опорой на науку. Необычайно сложное мастерство полифонистов XV–XVI веков, их виртуозная техника уживались вместе с ярким искусством бытовых танцев, изысканностью светских жанров. Все большее выражение в произведениях получает лирико-драматизм.

Итак, как мы видим, период Ренессанса-сложный период в истории развития музыкального искусства, поэтому представляется разумным рассмотреть его более подробно, уделяя при этом должное внимание отдельным личностям.

Музыка - единственный всемирный язык, его не надо переводить, на нем душа говорит с душою.

Авербах Бертольд.

Музыкой эпохи Возрождения или музыкой Ренессанса, называют период в развитии европейской музыки приблизительно между 1400 и 1600 годами. В Италии начало новой эпохи наступило для музыкального искусства в XIV веке. Нидерландская школа сложилась и достигла первых вершин в XV, после чего ее развитие все ширилось, а влияние так или иначе захватывало и мастеров иных национальных школ. Признаки Возрождения отчетливо проявились во Франции в XVI веке, хотя ее творческие достижения были велики и бесспорны еще в предыдущие столетия.

К XVI веку относится подъем искусства в Германии, Англии и некоторых других странах, входящих в орбиту Возрождения. И все же со временем новое творческое движение стало определяющим для Западной Европы в целом и по-своему отозвалось в странах Восточной Европы.

Музыке Возрождения оказались совершенно чужды грубые и резкие звуки. Законы гармонии составили ее главную суть.

Ведущее положение по-прежнему занимала духовная музыка , звучащая во время церковного богослужения. В эпоху Возрождения она сохранила основные темы средневековой музыки: хвалу Господу и Творцу мира, святость и чистоту религиозного чувства. Главная цель такой музыки, как говорил один из ее теоретиков, - «услаждать Бога».

Основу музыкальной культуры составляли мессы, мотеты, гимны и псалмы.

Месса - музыкальное произведение, которое представляет собой собрание частей католической литургии латинского обряда, тексты которой положены на музыку для одноголосного или многоголосного пения, в сопровождении музыкальных инструментов или без, для музыкального сопровождения торжественного богослужения в Римско-католической церкви и протестантских церквях высокого направления, например, в Церкви Швеции.

Мессы, представляющие собой музыкальную ценность, также исполняются вне богослужения на концертах, более того многие мессы позднейшего времени специально сочинялись либо для исполнения в концертном зале, либо по случаю какого-либо торжества.

Церковная месса, восходящая к традиционным мелодиям григорианского хорала, наиболее ярко выражала суть музыкальной культуры. Как и в Средние века, месса состояла из пяти частей, но теперь она стала более величественной и масштабной. Мир уже не казался человеку столь малым и обозримым. Обычная жизнь с ее земными радостями уже перестала считаться греховной.

Моте́т (фр. motet от mot - слово) - вокальное многоголосное произведение полифонического склада, один из центральных жанров в музыке западноевропейского Средневековья и Возрождения.

Гимн (др.-греч. ὕμνος) - торжественная песнь, восхваляющая и прославляющая кого-либо или что-либо (первоначально - божество).

Псало́м (греч. ψαλμός «хвалебная песнь»), р.п. псалма́, мн. псалмы́ (греч. ψαλμοί) - гимны иудейской (ивр. תהילים‎) и христианской религиозной поэзии и молитвы (из Ветхого Завета).

Они составляют Псалтырь, 19-ю книгу Ветхого Завета. Авторство псалмов традиционно приписывается царю Давиду (около 1000 до н. э.) и нескольким другим авторам, среди которых Авраам, Моисей и другие легендарные личности.

Всего в Псалтырь входит 150 псалмов, подразделяющихся на молитвы, хвалы, песни и учения.

Псалмы оказали огромное влияние на фольклор и послужили источником многих пословиц. В иудаизме псалмы исполнялись в виде песнопений гимнического характера под аккомпанемент. При каждом псалме, как правило, указывались способ исполнения и «модель» (в григорианском хорале называемая словом интонация), то есть соответствующий напев. Псалтырь заняла важное место в христианстве. Псалмы исполнялись во время богослужений, домашних молитв, перед боем и при передвижении строем. Первоначально в церкви они пелись всей общиной. Псалмы исполнялись а капелла, лишь в домашней обстановке разрешалось применение инструментов. Тип исполнения был речитативно-псалмодическим. Помимо целых псалмов, использовались и отдельные, наиболее выразительные стихи из них. На этой основе возникли самостоятельные песнопения - антифон, градуал, тракт и аллилуйя.

Постепенно в сочинениях церковных композиторы начинают проникать светские веяния. В многоголосную ткань церковных песнопений смело вводят темы народных песен вовсе не религиозного содержания. Но теперь это не противоречило общему духу и настроениям эпохи. Напротив, в музыке удивительным образом соединялось божественное и человеческое.

Наивысшего расцвета духовная музыка достигла в XV в. в Нидерландах. Здесь музыка почиталась больше других видов искусства. Нидерландские и фламандские композиторы первыми разработали новые правила полифонического (многоголосного) исполнения – классический «строгий стиль ». Важнейшим композиционным приемом нидерландских мастеров стала имитация – повторение одной и той же мелодии в разных голосах. Ведущим голосом стал тенор, которому поручалась главная повторяющаяся мелодия – cantus firmus («неизменный напев»). Ниже тенора звучал бас, а выше – альт. Самый верхний, то есть возвышающийся над всеми, голос получил название сопрано.

С помощью математических расчетов нидерландским и фламандским композиторам удалось вычислить формулу сочетаний музыкальных интервалов. Главной целью сочинительства становится создание стройной, симметричной и грандиозной, внутренне завершенной звуковой конструкции. Один из ярчайших представителей этой школы Йоханнес Окегем (ок. 1425-1497) на основе математических вычислений сочинил мотет на 36 голосов!

В творчестве Окегема представлены все жанры, характерные для нидерландской школы: месса, мотет и шансон. Важнейшим жанром для него оказывается месса, он проявил себя как выдающийся полифонист. Музыка Окегема очень динамична, мелодическая линия движется в широком диапазоне, имеет широкую амплитуду. Вместе с тем для Окегема характерны плавность интонации, чистейшая диатоника, старинное ладовое мышление. Поэтому музыку Окегема часто характеризуют как «направленную в бесконечность», «парящую» в несколько отрешённой образной среде. Она меньше связана с текстом, богата распевами, импровизационна, экспрессивна.

Сохранилось очень мало произведений Окегема:

· около 14 месс (11 полностью):

· реквием Missa pro Defunctis (первый многоголосный реквием в истории мировой музыкальной литературы);

· 9-13 (по разным данным) мотетов:

· свыше 20 шансон

Существует множество произведений, принадлежность которых Окегему ставится под сомнение, среди них известный мотет «Deo gratias» для 36 голосов. Некоторые анонимные шансон приписываются Окегему на основании схожести стиля.

Тринадцать месс Окегема сохранились в рукописи XV-го века, известной под названием «Chigi codex».

Среди месс преобладают четырёхголосные, есть две пятиголосные и одна восьмиголосная. В качестве тем месс Окегем использует народные («L’homme armé»), свои собственные («Ma maistresse») мелодии или мелодии других авторов (например, Беншуа в «De plus en plus»). Есть мессы и без заимствованных тем («Quinti toni», «Sine nomine», «Cujusvis toni»).

Мотеты и шансон

Мотеты и шансон Окегема непосредственно примыкают к его мессам и отличаются от них главным образом своими масштабами. Среди мотетов есть пышные, праздничные произведения, а также более строгие духовные хоровые сочинения.

Наиболее известен праздничный благодарственный мотет «Deo gratias», написанный для четырёх девятиголосных составов и потому считающийся 36-голосный. В действительности он состоит из четырёх девятиголосных канонов (на четыре разные темы), которые следуют один за другим с небольшими наложениями начала следующего на заключение предыдущего. В местах наложения звучат 18 голосов, реального 36-голосия в мотете нет.

Не меньший интерес представляет творчество нидерландского композитора Орландо Лассо (ок. 1532-1594), создавшего более двух тысяч произведений культового и светского характера.

Лассо - самый плодовитый композитор своего времени; из-за огромных объёмов наследия художественная значимость его сочинений (многие из которых были заказными) до конца ещё не оценена.

Работал исключительно в вокальных жанрах, в том числе написал более 60 месс, реквием, 4 цикла страстей (по всем евангелистам), оффиций Страстной недели (особенно значимы респонсории утрени Великого четверга, Великой пятницы и Великой субботы), более 100 магнификатов, гимны, фобурдоны, около 150 франц. шансон (его шансон «Susanne un jour», парафраза библейской истории о Сусанне, была одной из самых популярных пьес в XVI веке), итальянские (вилланеллы, морески, канцоны) и немецкие песни (больше 140 Lieder), около 250 мадригалов.

Лассо отличает детальнейшая разработка текстов на разных языках, как богослужебных (в т.ч. текстов Священного Писания), так и свободно сочинённых. Серьёзность и драматизм концепции, протяжённые объемы отличают сочинение «Слёзы Св. Петра» (цикл 7-голосных духовных мадригалов на стихи Луиджи Транзилло, издан в 1595 году) и «Покаянные псалмы Давида» (рукопись 1571 года в формате in folio украшена иллюстрациями Г. Милиха, предоставляющими ценный иконографический материал о жизни, в т.ч. музыкальных развлечениях, баварского двора).

Вместе с тем, в светской музыке Лассо не был чужд юмора. Например, в шансон «Раздаётся на пирах питие в трёх лицах» (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum), пересказывается старинный анекдот из жизни вагантов; в знаменитой песне «Matona mia cara» немецкий солдат поёт любовную серенаду, коверкая итальянские слова; в гимне «Ut queant laxis» имитируется незадачливое сольфеджирование. Ряд ярких коротких пьес Лассо написан на весьма легкомысленные стихи, например, шансон «Глядела в замке дама с интересом / На мраморной статуи естество» (En un chasteau ma dame...), а некоторые песни (особенно морески) содержат обсценную лексику.

Светская музыка Возрождения была представлена различными жанрами: мадригалами, песнями, канцонами. Музыка, перестав быть «служанкой церкви», теперь стала звучать не на латинском, а на родном языке. Наиболее популярным жанром светской музыки стали мадригалы (итал. Madrigal - песнь на родном языке) – многоголосые хоровые сочинения, написанные на текст лирического стихотворения любовного содержания. Чаще всего для этой цели использовались стихотворения прославленных мастеров: Данте, Франческо Петрарки и Торквато Тассо. Мадригалы исполнялись не профессиональными певцами, а целым ансамблем любителей, где каждую партию вел один певец. Основное настроение мадригала – печаль, тоска и грусть, но встречались и радостные, оживленные сочинения.

Совеменный исследователь музыкальной культуры Д.К. Кирнарская отмечает:

«Мадригал перевернул с ног на голову всю музыкальную систему эпохи Возрождения: разрушилась ровная и гармоничная мелодическая пластика мессы… исчез и неизменный cantus firmus, фундамент музыкального целого… привычные методы развития «строгого письма»… уступили место эмоциональным и мелодическим контрастам эпизодов, каждый из которых максимально выразительно пытался донести заключенную в тексте поэтическую мысль. Мадригал окончательно подорвал слабеющие силы «строгого стиля».

Не менее популярным жанром светской музыки была песня в сопровождении музыкальных инструментов. В отличие от музыки, звучащей в церкви, песни были довольно простыми в исполнении. Их рифмованный текст отчетливо членился на 4-6 – строчные строфы. В песнях, как и в мадригалах, большое значение приобретал текст. При исполнении поэтические строки не должны были затеряться в многоголосном пении. Особой известностью пользовались песни французского композитора Клемана Жанекена (ок.1485-1558). Клеман Жанекен написал около 250 шансон, большей частью для 4 голосов, на стихи Пьера Ронсара, Клемана Маро, М. де Сен-Желе, анонимных поэтов. В отношении ещё 40 шансон авторство Жанекена современная наука оспаривает (что не уменьшает, впрочем, качества самой этой оспариваемой музыки). Главная отличительная черта его светской многоголосной музыки - программность и изобразительность. Перед мысленным взором слушателя проходят картины сражения («Битва при Мариньяно», «Битва при Ренти», «Битва при Меце»), сцены охоты («Пение птиц», «Пение соловья», «Жаворонок»), бытовые сценки («Женская болтовня»). Атмосферу будничной жизни Парижа Жанекен ярко передаёт в шансон «Крики Парижа», где слышны возгласы уличных торговцев («Молоко!» - «Пирожки!» - «Артишоки!» - «Рыба!» - «Спички!» - «Голуби!» - «Старые башмаки!» - «Вино!»). При всей изобретательности в фактуре и ритмике музыка Жанекена в области гармонии и контрапункта остаётся весьма традиционной.

В эпоху Возрождения было положено начало профессиональному композиторскому творчеству . Ярким представителем этого нового веяния несомненно является Палестрина (1525-1594). Его наследие составляет множество произведений духовной и светской музыки: 93 мессы, 326 гимнов и мотетов. Он является автором двух томов светских мадригалов на слова Петрарки. Долгое время он работал руководителем хора в соборе Святого Петра в Риме. Созданную им церковную музыку отличают чистота и возвышенность чувств. Светская музыка композитора проникнута необыкновенной одухотворенностью и гармонией.

Эпохе Возрождения мы обязаны формированием инструментальной музыки как самостоятельного вида искусства. В это время появляется ряд инструментальных пьес, вариаций, прелюдий, фантазий, рондо, токкат. Среди музыкальных инструментов особой популярностью пользуются орган, клавесин, виола, различные виды флейт, а в конце XVIв. – скрипка.

Завершается эпоха Возрождения возникновением новых музыкальных жанров: сольной песни, оратории и оперы. Если раньше центром музыкальной культуры был храм, то с этого времени музыка зазвучала в оперном театре. А произошло это так.

В итальянском городе Флоренция в конце XVIв. стали собираться талантливые поэты, актеры, ученые и музыканты. Никто из них тогда не помышлял о каком-либо открытии. И все-таки именно им суждено было совершить настоящий переворот в театральном и музыкальном искусстве. Возобновляя постановки произведений древнегреческих драматургов, они стали сочинять собственную музыку, соответствующую, по их представлениям, характеру античной драмы.

Члены камераты (так называлось это общество) тщательно продумывали музыкальное сопровождение монологов и диалогов мифологических персонажей. От актеров требовалось исполнение разговорных партий речетативом (декламацией, речью нараспев). И хотя слово продолжало играть ведущую роль по отношению к музыке, был сделан первый шаг к их сближению и гармоническому слиянию. Подобное исполнение позволяло в большей степени передавать богатство внутреннего мира человека, его личные переживания и чувства. На основе таких вокальных партий возникли арии – законченные эпизоды в музыкальном спектакле, в том числе и в опере.

Оперный театр быстро завоевал любовь и стал популярным не только в Италии, но и в других странах Европы.

Список использованной литературы

1) Энциклопедический словарь юного музыканта / Сост. В.В. Медушевский, О.О. Очаковская. – М.: Педагогика, 1985.

2) Мировая художественная культура. От истоков до XVII века: учеб. для 10 кл. общеобразоват. учреждений гуманитарного профиля / Г.И. Данилова. – 2-е изд., стереотип. – М.: Дрофа, 2005.

3) Материалы из архива музыки Реннессанса: http://manfredina.ru/